La discografia del professore è immensa, ci vorrebbero dieci ore di concerto per uscire sazi, e poi Vecchioni parla, parla molto.
Parla di Dante, di Petrarca, di Borges, di Gauguin e di Van Gogh, di salute mentale e di guerre, di amore e di avventura, e tra tante parole inserisce le note che hanno spesso fatto da colonna sonora ai momenti più significativi della nostra esistenza. Invita a usare carta e penna per raccontare le emozioni, a scrivere, a ritrovare il gusto per l’artigianale saper fare. E poi parla di sé, coerentemente con una discografia che è sempre stata in gran parte autobiografica.
Su “Celia de la Serna” si commuove fino alle lacrime, su “Ogni canzone d’amore” invita le coppie a tenersi per mano, e sul bis, con “Samarcanda”, invita il pubblico a cantare. Un pubblico che è rimasto incantato in ascolto per due ore abbondanti.
Ma lo sfizio più grande è stato l’aver trasformato “Luci a San Siro” in “Luci all’Olimpico”, al termine di una serata particolarmente densa di emozioni, sorrisi, lacrime e applausi che hanno culminato nella standing ovation.
Io la preferisco nella versione originale, ma il gesto è stato simpatico ed ha sottolineato il bel rapporto che c’è tra il poeta e la Capitale, che lo ha sempre accolto con immenso affetto.
Si, professore, come hai detto all’inizio della serata, non ha deciso niente la Nera Signora, tu dovevi venire a Roma…e dovrai ancora a lungo ricordarci quanto sia bello uscire da un concerto col sorriso sulle labbra e le lacrime agli occhi.

Roberta Gioberti

Nell’intento di incorniciare l’immenso patrimonio culturale ed artistico della Capitale con una colonna sonora che ne amplifichi la suggestione, sono oramai tre lustri che l’amministrazione comunale organizza negli spazi espositivi, nei palazzi storici e nelle piazze romane una serie di concerti di altissima levatura, che spaziano dall’etno, al jazz, alla musica classica, a quella leggera, alla musica da cinema, tutto messo a disposizione di chiunque voglia partecipare al costo simbolico di un euro, e a tariffe decisamente popolari per quei contesti che ospitano  mostre organizzate da enti privati.

Parliamo di ben 50 spazi che restano aperti in via eccezionale dalle 20 di sera alle 2 del mattino, per una programmazione complessiva di oltre 100 concerti.

Dalle zone più periferiche al Centro Storico, la città è stata attraversata, in una nottata algida ma piacevole, da un intreccio di pentagrammi che ha avuto come fulcro l’evento dedicato a Ornella Vanoni alla Centrale Montemartini, grazie alla generosa e coinvolta partecipazione di Rita Marcotulli, fiore all’occhiello del nostro jazz e nota in tutto il mondo per il suo talento unito a peculiarità esecutive  e compositive che la rendono assolutamente inimitabile.

Tre quarti d’ora di concerto di estrema godibilità e, come è caratteristica della raffinata pianista, reso accessibile a ogni livello di ascolto, cosa che nel jazz non è sempre così scontata, e presentato con evidente e giustificato compiacimento dall’assessore alla cultura Massimiliano Smeriglio.

Da l’Appuntamento, a Senza Fine, a L’Isola, brano di Ryuichi Sakamoto, che è legato al primo incontro tra la compositrice e la cantante e ha rappresentato l’inizio di una lunga e affettuosa amicizia e collaborazione. Il tutto passando attraverso il racconto di divertenti aneddoti e l’esecuzione di molti brani del repertorio brasiliano di Vinicius de Moraes e Toquinho, con cui la Vanoni ha collaborato a lungo, diventando il timbro vocale che  meglio ha interpretato la saudade legata ai ricordi degli amori immensi, sconfinati,  vissuti e perduti

Note armoniose e delicate che non hanno dimenticato di omaggiare Pino Daniele, con cui la Vanoni interpretò  quel capolavoro di poesia che è “Anima”, e che sottrasse la Marcotulli a un tour cui Ornella teneva molto: la cantante  non ha mai mancato di rinfacciarglielo con quella bonaria schiettezza che ne caratterizzava l’ironia.

Tra il pubblico, in disparte, defilato ma divertito, un chitarrista d’eccezione ha fatto  un certo punto a sorpresa irruzione sul palco ed ha eseguito insieme alla Marcotulli un brano molto complesso e poetico del repertorio di De Moraes, il “Samba in preludio”, contenuto nell’album “La voglia la pazzia, l’incoscienza e l’allegria”, lasciando letteralmente di stucco l’affollata platea.

Il Sindaco Roberto Gualtieri si conferma un raffinato e competente chitarrista, in grado di sostenere un duetto con l’eccellenza della musica jazz mondiale.

E della sua performance e del suo coinvolgimento, lo ringraziamo, oltre che dell’opportunità fornita  a tutti, per una notte di lasciarsi cullare tra le meraviglie di una città che ci fa soffrire, ma poi, alla fine, non possiamo non amare: un amore intenso e viscerale, come quelli dei brani della Vanoni.

Roberta Gioberti

Un jazz fuori dai canoni classici e dagli standard, qualcosa che nell’insieme risulta estremamente intenso e leggero allo stesso tempo, per un’ora e mezza di musica dall’alta componente permeante, che coinvolge e diverte.
Un ensemble molto ben armonizzato, dove quattro mostri sacri del jazz riescono a scambiarsi i ruoli senza sovrapporsi, in un fluire energetico senza soluzione di continuità che arriva a coinvolgere direttamente la sfera emotiva di chi ascolta, senza nulla concedere a inciampi tecnicistici.
Un concerto insolito, dicevamo all’inizio, perché la Stagione Musicale dell’Aula Magna, giunta alla sua ottantunesima presentazione, è dedicata quasi esclusivamente al repertorio classico. Tuttavia non sono mancate in questi anni delle piccole e preziose variazioni sul tema, spettacoli di genere diverso, dalla world music al jazz, appunto, che hanno rappresentato quel tocco di colore che sublima la bellezza.

Nella scaletta proposta, anche una rivisitazione di un brano appartenente al repertorio jazz oramai storicizzato, ossia “Night Fall” di Charlie Haden, durante il quale Bulgarelli ha letteralmente estasiato la platea.
Una serata di grande musica e grande divertimento.

Roberta Gioberti

Peppe Barra @ Auditorium Parco della Musica – Roma – ph Roberta Gioberti

E così, come una figurina fiabesca il Maestro si palesa all’applauso dell’affollata Sala Petrassi dell’Auditorium Parco della Musica Ennio Morricone di Roma, e intona quello che oramai possiamo considerare un inno, ma non solo. In questi tempi bui, Jesce Sole assume connotati apotropaici, una preghiera, una supplica alla luce, al calore, che arrivino a spazzare il gelo che collassa i cuori.
E’ un ingresso gentile, accompagnato dai musicisti che oramai fanno parte integrante dei progetti del Maestro Barra, musicisti di prim’ordine come Paolo del Vecchio, incantevole chitarrista e esperto di strumenti a corde, Ivan Lacagnina, un percussionista dall’aspetto delicato, in netta contrapposizione con la forza esplosiva con cui sa sottolineare sempre al giusto momento il commento musicale ai versi di Barra, il bassista potente, la dorsale imponente e imprescindibile del gruppo, Sasà Pelosi, il giovane Francesco de Cristofaro ai fiati, che ha preso il posto di Alessandro De Carolis, e al pianoforte e alla fisarmonica l’eclettico, fantasioso e espressivo Luca Urciuolo.
Un gruppo oramai collaudato da decenni, che non necessita quasi di sound check, tanta è la dimestichezza che ha col repertorio e l’affiatamento con il Maestro.
La scaletta alterna brani che possiamo definire “must” ad altri che sono stati introdotti per l’occasione, andando a sostituire note sublimi come quelle di “Picceré” e di “Vasame”, escluse un po’ a sorpresa da un repertorio che comunque si dipana su più di due ore di concerto. Che il Maestro Barra sia animale da palcoscenico, è noto: è lì che trova la sua migliore espressione, i suoi sorrisi più accattivanti, la mimica facciale unica, la grinta vocale che non le è da meno: in una parola, “Barra”.

Peppe Barra @ Auditorium Parco della Musica – Roma – ph Roberta Gioberti

Un nome che non ha saziato con lo spettacolo di dicembre 2024 i desideri del pubblico romano, e per questo ha dovuto mettere in cartellone una seconda data capitolina.
Barra non si limita a cantare, o a raccontare, o a recitare: Barra immediatamente, già solo con la sua presenza, si insinua nei cuori della gente, del pubblico che diventa quel canto, quei racconti, quella recita. Lo diventa addirittura quando scherza con l’assistente di palco per un microfono difettoso. Anche di un inconveniente tecnico riesce a fare poesia e teatro.
Pochi artisti al mondo hanno questa spontaneità empatica, non ci deve pensare, il Maestro, gli viene naturale, è un talento assoluto.
Certo, è il figlio di Concetta, nel teatro ci è cresciuto, l’ha succhiato col latte materno, ma questo è accaduto a molti. Peppe Barra ha qualcosa in più, un qualcosa di magnetico e innato.
A testimonianza di ciò, un piccolo inciso di chi scrive, che a dodici anni vide a teatro la Gatta Cenerentola, nella versione in cui lui era tra i protagonisti, e ricorda una sorellina di soli sei anni che ogni volta che Barra appariva in scena rimaneva incantata. Come se fosse stato un pifferaio magico.
Ha il profumo della sua terra di origine, il Maestro Barra, il brio della spuma delle onde, i sorrisi della luce del mattino: commuove. Commuove mentre si ride, si ride tanto ma non in maniera grassa o amara. Si ride alla maniera di Barra, con poesia.
Brani di Leonardo Vinci, Ferdinando Russo, Pino Daniele, Giorgio Gaber, Enzo Gragnaniello, e alcuni tratti dal suo ultimo lavoro, Cipria e Caffè cui, ci fa piacere ricordarlo, ha preso parte anche Gnut, cantautore partenopeo dall’animo garbato e poetico.
“‘O Vasillo”, “La Procidana”, accompagnata dal ricordo di Concetta, che negli spettacoli del Maestro non manca mai, “Si tenesse 20 anni”, scritta con il già citato Claudio Domestico, in arte Gnut, una delle figure più significative del panorama musicale partenopeo che si sta imponendo a livello nazionale, “Papaveri e Papere”, “Cipria e Caffè”, l’omaggio a Gaber con “Lo Shampoo” (un poco modificata, ma poco…”ca chill po’ s’inquieta”), una dolcissima aria di Pino Daniele, “Cammina Cammina”, e poi storie. Storie di vita vissuta, storie di teatro, racconti di una Napoli tratteggiata con i pastelli a colori di un bambino che la disegna con parole sue, per finire con una Tammurriata Nera potente, catartica e beneaugurale.

Peppe Barra @ Auditorium Parco della Musica – Roma – ph Roberta Gioberti

Nella versione ad alto contenuto di pathos, la dedica è a tutte le donne che subiscono violenza, ma non possiamo prescindere dal valore scacciaguai della tammurriata, che è da sempre un rito propiziatorio.
E in tempi in cui i guai sembrano venirci a cercare, beh, quale conclusione migliore per un concerto di un ottuagenario ancora così pieno di energia, di parole e note che altro non chiedono che di essere raccolte.
Standing ovation più che meritata, all’Artista, e all’Uomo che in sessant’anni di carriera non ci ha mai delusi.
Maestro, pe’ cient’ann…

Roberta Gioberti

ph Roberta Gioberti

Le immagini si intrecciano con le note, si scompongono e si ricompongono, prendono vita, ci parlano ben oltre la già più che esaustiva comunicativa del genio che ha rivoluzionato il mondo della pittura e non solo.
Un’esperienza multisensoriale, quindi, che fonde musica, arte e parole, per condurci in un’immersione totale attraverso le note del pianoforte, intrecciate con sonorità jazz, classiche e contemporanee, senza soluzione di continuità: fatto che porta alla nascita di un linguaggio unico, qualcosa che appartiene a Rita e solo a Rita.
Caravaggio è sempre stato considerato il pittore delle tenebre, per quella sua capacità di gestire in maniera così suggestiva il chiaroscuro, e per la peculiarità della sua biografia così avvolta nel torbido, così vicina a quel substrato umano che spesso viene calpestato perché invisibile. Ebbe il coraggio di entrarci dentro al lato oscuro delle persone, di abbracciare la genuina espressione popolana, più che popolare e di vestirla di bellezza, incanto, purezza e dignità. Caravaggio non mise il colore sulla luce, ma al contrario, tirò fuori la luce dalle tenebre tanto in senso pittorico quanto umano, e con la luce il colore, e l’intensità dei sentimenti.
Lo scambio di sguardi tra la Zingara e il bel Giovine de “La buona Ventura”, diventa così intenso e espressivo, mentre corrono vellutate le note del Sax di Brunborg, da farci dimenticare che in realtà si tratta di un sotterfugio: sembra quasi amore, e poi alla fine l’amore, spesso, è un sotterfugio.
Medusa è la rabbia, ma anche tanta umanità per quella figura femminile violata, che ha pagato per tutti lo scotto dell’affronto.
E ancora il fiotto di sangue che sgorga dalla gola di Oloferne nel momento in cui una sdegnata Giuditta affonda la lama, momento reso quasi catartico dall’incessante susseguirsi di note sincopate, e per finire un ritorno all’armonia e all’equilibrio nel rendere omaggio al celebre Canestro, con sottolineature musicali distese e descrittive. Sono solo alcuni dei tratti salienti di un progetto che convince e vince.

Attraverso le note, Rita Marcotulli dipinge con i suoni le atmosfere cariche di contrasto e di emozione delle opere del grande maestro del baroccco.
Ogni brano è un omaggio a un quadro, una luce che illumina un dettaglio, un’ombra che cela un mistero. La musica diventa così un’estensione della pittura, un’interpretazione sonora che ci permette di penetrare più a fondo nell’anima delle opere.

Ora, sappiamo tutti come il jazz possa essere ostico a volte anche al pubblico più raffinato. Lo sa anche Rita Marcotulli, come ha sottolineato durante il bel concerto che ha tenuto questa estate nel Palazzo dei Priori di Perugia, nell’ambito della rassegna di Umbria Jazz, a cui abbiamo avuto il privilegio di assistere.
Ma l’incanto di questa Donna straripante di talento consiste proprio in questo. Con la sua semplicità, con la capacità che ha non solo di articolare pentagrammi perfetti e suggestivi, ma di farli arrivare sotto forma di musica ed energia al pubblico, quel jazz si addolcisce, si veste di seta, scalda e coinvolge.
E il pubblico, il suo pubblico, la ama proprio per questo.
Grazie Rita.

Roberta Gioberti

Tim Summer Hits 2024 – conferenza stampa Ph Roberta Gioberti

Un evento importante per Roma, dice Gualtieri, e soprattutto un evento gratuito, per dare la possibilità anche a chi abbia disponibilità limitate di prendere parte alla grande kermesse musicale che, come ogni anno, coinvolgerà la Capitale in decine di eventi e che, in qualche maniera, partiranno proprio da qui. La maggioranza degli artisti che si esibiranno sul palco del Tim Summer Hits 24, infatti, sarà anche protagonista con concerti individuali della stagione musicale estiva capitolina, che presenta oramai da anni un’offerta varia e di assoluta qualità, com’è giusto che una Capitale faccia.
Di sicuro gli spazi per fare musica a Roma non mancano, ma ha un valore abbastanza simbolico, per il Sindaco Roberto Gualtieri che la manifestazione si tenga proprio in Piazza del Popolo, perché sia proprio il popolo a riappropriarsi della musica. E, va detto, d’iniziative gratuite o quasi, e di assoluta qualità quest’anno a Roma se ne terranno parecchie. Una bella notizia che sicuramente rallegra gli animi in tempi in cui si è fatto più difficile sostenere i costi degli svaghi, visto il vertiginoso aumento del costo della vita in generale.
Una Roma di cuore, generosa, così come ci piace che sia.
Concetto ripreso e ribadito dall’assessore Onorato, che così commenta l’introduzione del Sindaco: “Siamo la capitale dei concerti live a pagamento ma non tutti possono permettersi un biglietto per il Circo Massimo, le Terme di Caracalla o lo Stadio Olimpico. Questo non vuol dire che gli eventi non devono essere pagati, ma bisogna garantire a tutti la possibilità di poter ascoltare gli artisti che riempiranno quei luoghi e Tim Summer Hits riesce a dare questa possibilità”. E annuncia il progetto dei fuochi d’artificio senza rumore e quello degli spettacoli sulle nove piattaforme galleggianti lungo il Tevere, da Ponte Regina Margherita a Ponte Sant’Angelo. Un’estate romana che cerca di recuperare i gloriosi fasti dei tempi di Nicolini e rendersi il più possibile fruibile alla collettività.

Tim Summer Hits 2024 – conferenza stampa Ph Roberta Gioberti

La parola passa poi ai due conduttori: la dolce e graziosa Andrea Delogu, entusiasta della visibilità e dell’accoglienza che la Capitale ha riservato all’evento, evento che ha già condotto nelle precedenti edizioni, si dice contentissima di questa oramai collaudata partnership, e scherza con Carlo Conti che non manca a sua volta di sottolineare come sia stato grazie alla Fiorentina che ha passato i quarti di finale la sera in cui gli è stata prospettata la conduzione dell’evento, che ha accettato, sull’onda di un entusiasmo che però, a giudicare dall’atteggiamento scherzoso e rilassato con cui ha affrontato le domande un poco insidiose dei giornalisti riguardo Sanremo, non ci sembra essere scemato, anzi.
I due hanno già avuto modo di collaborare: fu, infatti, proprio Carlo Conti a inserire la Delogu nella commissione per la scelta delle nuove proposte di Sanremo, alla sua prima conduzione, proprio per la capacità di cogliere in qualche maniera il talento degli artisti e coniugarlo alle esigenze del pubblico più giovane.
Se ne discute di musica, dell’orientamento dell’orecchio musicale della nuove generazioni, e proprio in riferimento a questo fatto, tanto Conti quanto la Delogu concordano con l’Assessore Onorato quando afferma che il proporre artisti graditi al pubblico più giovane insieme a quelli che incontrano i gusti di genitori e, qualche volta, nonni, sia di aiuto tanto agli uni quanto agli altri per accorciare le distanze e facilitare anche in questo senso la comunicazione. Con il non celato auspicio che sia l’orecchio proprio dei più giovani ad apprezzare quel qualcosa che la musica ha già raccontato, e che oggi è spesso mortificato dalle generazioni più recenti.
Dopo le polemiche sanremesi e non solo, la domanda circa la possibilità per gli artisti, visto anche il delicato momento storico che stiamo attraversando, di fare dichiarazioni o esprimere stati d’animo era prevedibile. Per tutta risposta Conti ha dichiarato che per lui, escluso tutto quello che può rientrare nell’ambito dell’esplicitamente offensivo, non ci saranno problemi.

Tim Summer Hits 2024 – conferenza stampa Ph Roberta Gioberti

Insomma quattro giornate di musica pop, intense e ricche, cui consigliamo vivamente di non mancare.
Di seguito la scaletta:
Martedì 11 giugno con: Ana Mena, Annalisa, Antonello Venditti, Arisa, Baby K, Dargen D’Amico, Emma, Ermal Meta, Fred De Palma, Gazzelle, Geolier, Gianna Nannini, Jvli, Il Tre, Mahmood, Matteo Paolillo, Olly, Petit, Rhove, Tananai e i The Kolors.
Mercoledì 12 giugno: Alessandra Amoroso, Alfa, Annalisa, Articolo 31, BigMama, Bnkr44, Clara, Coma_Cose, Eiffel 65, Elettra Lamborghini, Fiorella Mannoia, Gaia, Ghali, Icy Subzero, Lda, Loredana Bertè, Mahmood, Massimo Pericolo, Noemi, Pino D’Angió, Raf, Rocco Hunt, Shade, Tananai, Tommaso Paradiso e Tony Effe.

Giovedì 13 giugno: Achille Lauro, Alessandra Amoroso, Angelina Mango, Bigmama, Bresh, Capo Plaza, Corona, Elodie, Emis Killa, Fedez, Francesco Gabbani, Francesco Renga, Gaia, Gigi D’Alessio, Holden, Malika Ayane, Mara Sattei, Nek, Pooh, Rose Villain, Tony effe.
Venerdì 14 giugno: Aiello, Anna, Benji & Fede, Boomdabash, Colapesce Dimartino, Emma, Fabrizio Moro, Irama, Jvli, La Rappresentante di Lista, La Sad, Mr. Rain, Olly, Orietta Berti, Paola & Chiara, Piero Pelù, Ricchi e Poveri, Santi Francesi, Sarah e Umberto Tozzi.

Roberta Gioberti

Tullio De Piscopo ph Roberta Gioberti

Ci sono note che ci hanno commossi quando, per la prima volta nella nostra vita, le abbiamo ascoltate. Sono note che hanno segnato la nostra esistenza, i momenti più significativi nel bene e nel male.
Sono le note che il maestro Tullio de Piscopo ha scelto per cominciare il concerto “Dal Blues al Jazz, con Andamento Lento”, che ha fatto tappa all’Auditorium Parco della Musica di Roma il 25 marzo scorso. “Tu dimmi quando”, quando…fraseggi musicali che una volta nella vita si sono avvicinati a ciascuno di noi, fermando quel preciso attimo, che non avrebbe potuto essere meglio commentato.
Che Pino Daniele sarà in qualche maniera coprotagonista della serata, lo si comprende subito, e ci sarebbe da meravigliarsi se così non fosse: Tullio de Piscopo, quasi 60 anni di fantastica carriera musicale, ha scelto di portare sul palco il binomio cui è sicuramente stato più affettivamente legato nella vita, e gliene siamo grati.
E’ tuttavia necessario fare un tuffo nel passato, per capire il senso profondo del panorama musicale partenopeo di quegli anni, e del suo potenziale esplosivo che coinvolse l’intera penisola, e che ebbe sicuramente come fulcro Pino Daniele.

Tullio De Piscopo ph Roberta Gioberti

Esisteva un sound, un groove che in quei tempi scuoteva gli animi, e partiva proprio da Napoli, città non estranea di certo alla musicalità, ma con un profondo desiderio, un’esigenza di rinnovamento, di raccontare cose nuove in modo nuovo.
Nacque così il Sound Napoletano, partì underground, mischiando funk, reggae, soul, jazz, e addirittura la disco: un’enorme fucina di invenzione e innovazione. Edoardo Bennato cantava di favole e rock, la Nuova Compagnia di Canto Popolare e i Musicanova reinterpretavano la tradizione, i Napoli Centrale sul sax di James Senese portavano il calore del sole nel jazz, Roberto de Simone approfondiva la storia della musica partenopea di spessore, insomma, Napoli fu un vero vulcano (in tutti i sensi), da cui esplosero note intriganti.
Pino Daniele, già membro dei Napoli Centrale, scelse di mettere su un suo gruppo, e affidò la batteria a Tullio de Piscopo, che sapeva fare del percuotere virtuosismo.
Imparammo così a conoscere questo artista incredibile che confeziona fraseggi con le bacchette, quasi fossero magiche, che trasforma il rumore in musica, che sostiene i concerti con un’energia e una mimica rimaste intatte nel corso degli anni: le stesse che abbiamo avuto l’entusiasmo di ritrovare all’Auditorium il 25 marzo. Non invecchia, Tullio de Piscopo, e non invecchiano i suoi brani, la sua energia, la sua capacità di trascinare nell’ascolto, che si tratti di un saltellante funk, o di un impegnato blues.
E’ Toledo, brano musicale contenuto in “Bella ‘mbriana” a dare inizio alle danze, che saranno realmente danze. Danze del pubblico, che non riesce a trattenere l’immenso desiderio di partecipazione, e danze ritmiche sul palco, per una serata di spessore e nello stesso tempo divertente.
E’ un viaggio musicale attraverso le mille esperienze di Tullio de Piscopo questo concerto, un viaggio dove si intrecciano i generi musicali più disparati: jazz, rock, etno, pop, blues e tanto funky. Le sue collaborazioni sono innumerevoli e di prestigio, basti pensare a Quincy Jones, Lucio Dalla, Franco Battiato, Astor Piazzolla. Una scalata che potremmo definire di successo, ma non sarebbe adeguato: una scalata di qualità, in cui le collaborazioni sono state stimolo di crescita e arricchimento.

Tullio De Piscopo ph Roberta Gioberti

E così, in questo concerto incredibilmente bello, Tullio si racconta e ci racconta, attraverso aneddoti, scherzi, giochi con il pubblico, serrate rollate di tamburi e momenti di grande commozione: il racconto della genesi del Libertango di Astor Piazzolla, e la sua esecuzione in “andamento lento”, e, ultimo regalo, l’incantevole Canto d’Oriente, e il ricordo dell’ultimo incontro con Pino Daniele.
Due ore di energia travolgente, accompagnato da una band di musicisti di talento, a ripercorrere quasi 60 anni di carriera, farciti di racconti divertenti, aneddoti, storie emozionanti, creando un’atmosfera intima e coinvolgente.
Un concerto da non perdere, l’occasione per cantare, ballare e divertirsi ma anche commuoversi e riflettere con uno degli artisti più poliedrici del nostro panorama musicale, talentuoso e innovativo.

Roberta Gioberti

1994, Cuneo: un terremoto scuote il panorama musicale italiano, e non sarà possibile dimenticarlo. In una città così lontana dai centri che per tradizione sfornavano da sempre le novità discografiche d’interesse, prese corpo e scrittura un album dal titolo emblematico: “Catartica”.

Marlene Kuntz ph Roberta Gioberti

Tre ragazzi si affacciavano alla scena musicale e lo facevano con il senso di inquietudine proprio di quegli anni. Il bisogno di ritrovare il sorriso a tutti i costi degli anni ’80 (almeno musicalmente parlando) lasciava la scena al desiderio di tornare a lavorare sulle emozioni e sui sentimenti a livello più profondo, di spezzare catene che, nel lungo periodo si erano trasformate da avvolgenti virgulti in vere e proprie selve oscure e impenetrabili dell’animo umano. Cristiano Godano, Riccardo Tesio, Luca Bergia divennero portavoce di un nuovo movimento musicale che si prefiggeva di rompere con gli schemi sincopati e ritmici degli anni precedenti e fare emergere sonorità aspre, per certi aspetti evocative del prog strettamente inteso, e testi che ne fossero all’altezza.

Sono trascorsi 30 anni, e siamo all’Orion, a Roma, gremito come non mai per celebrare un anniversario davvero speciale. Un pubblico eterogeneo, ma ben intenzionato a stare lì per questo evento e non solo per riempire una serata un poco noiosa, come troppo spesso accade. C’è chi quell’esordio lo ricorda bene, perché può dire “io c’ero” e lo ha guardato in tempi coetanei con la meraviglia di un bambino, gomito a gomito con un pubblico più recente ma non meno affascinato. Si spengono le luci, parte la musica e Cristiano Godano e i suoi compagni irrompono sul palco a far esplodere una carica immediata che travolge ogni anima presente. La scaletta è un viaggio a ritroso nel tempo, un tuffo deciso nelle atmosfere di Catartica. Brani iconici come Musa Distratta e Lieve si alternano a gemme nascoste, regalando al pubblico un’atmosfera ricca di emozioni. La band è in forma smagliante, non li dimostra i suoi anni, Godano ipnotizza con la sua voce graffiante e intensa, è un vortice che travolge, un’onda di pura energia che non lascia scampo.

Marlene Kuntz ph Roberta Gioberti

Un tuffo nel passato che non cede mai alla nostalgia: arrangiamenti inediti donano alla rivisitazione dei brani di Catartica una nuova linfa e una freschezza inaspettata. Due ore di musica intensa, un vortice di potenza che si accompagna ad un’apoteosi di applausi e alla consapevolezza che si sta assistendo a un evento irripetibile. I Marlene Kuntz, come sempre, non sono solo una band, sono un’esperienza, che ha segnato la vita di una generazione e che continua ad emozionare trent’anni dopo come il primo giorno. Un’esperienza che culmina nell’intenso momento di commozione che accompagna il ricordo di Luca Bergia, membro fondatore, recentemente e prematuramente scomparso: la sua presenza aleggia sul palco invisibile ma ben palpabile.

Marlene Kuntz ph Roberta Gioberti

Tutte le date del tour sono sold out, ma la speranza è che i Marlene Kuntz decidano di regalare ai fan un tour estivo, un’ultima occasione per lasciarsi travolgere dall’onda di note senza tempo di questa band che è oramai a pieno titolo entrata di diritto nella leggenda del rock nostrano. No, non è una “festa del cazzo”, citando un loro noto motto, ma una festa che, idealmente, continuerà a risuonare per sempre.

Roberta Gioberti