Polvere e Asfalto: la recensione dell’album di esordio di Vins

Polvere e Asfalto

Polvere e Asfalto

Che cosa vuol dire far musica sentendosi parte di una dimensione parallela, fuori dal tempo, dallo spazio e dalle necessità dettate dalle incombenze del vivere quotidiano? Prova a spiegarcelo Vincenzo Pennacchio, in arte Vins, con il suo album d’esordio “Polvere e asfalto”. Musicista e cantautore napoletano, Vins usa la penna e le corde per mettere a fuoco una serie di riflessioni ora estemporanee, ora più stratificate attraverso un modo di esprimersi autentico e privo di artifizi.

Il viaggio di Vins inizia con “Come si fa?”, un brano che inneggia a vivere e muoversi controtempo e controcorrente per non rischiare di restare mummificati dalla polvere e dall’asfalto che ogni giorno siamo corretti a schivare pur muovendoci esattamente al loro interno.

Le vibrazioni sonore che scandiscono parole ed emozioni sono figlie di ascolti standard. Tra blues e rock che hanno marchiato a fuoco intere generazioni, nella musica di Vins rimane questo flusso di continuità che è sinonimo di qualità.

C’è un tempo per odiare, un tempo per amare, canta Vins in “Domani”, una canzone per definire la propria identità. Lontano da stereotipi e mode, il cantautore mira alla sostanza delle cose, questo è ciò che avviene tra le righe di “Curami” in cui la musica nuda è la cura perfetta per evolversi dalla contingenze quotidiane e muoversi su strade nuove.

La cruda amarezza e il feroce disincanto vibrano ne “Il vento”: un po’ bisogna cedere e farsi il culo in tre, sporca è l’anima della rabbia che sento dentro, le certezze sono bandiere stuprate dal vento, non mi va di essere usato per pagare i vostri conti, il mio disprezzo è il mezzo di comunicazione. Più onesti, diretti e trasparenti di così davvero non si può essere.

La riflessione si fa urlo definitivo in “Io non sono qui”: il varco per uscire completamente fuori, allo scoperto, privati da vincoli e definizioni. Vins evade e in questa fuga attraversa “Polvere e asfalto”, percorrendo chilometri a piedi nudi, barcamenandosi tra bestie feroci fino a divenire entità astratta. Rimane una vibrazione strumentale, prima cruenta, poi dolce e struggente.

La trasIfgurazione è solo metaforica, la consistenza di Vins è ancora vivida e scomoda, esattamente come appare ne “Il mondo è qua”: benvenuto a euro-zona, tu sei zero, non sei persona, il codice a barre è la tua identità, scrive Vincenzo senza fare sconti. Ecco perché è il caso di individuare un “Punto di fuga”, come lui fa attraverso parole e canzoni.

Assurdo pensare che il rock’n’roll sia “Solo uno show” quando assurge a una tale potenzialità espressiva eppure questa consapevolezza piomba con forza ineludibile anche tra i sogni di Vins. A chiudere l’album è “Immobile”, una ballad amara ma avvolgente. Un monito a non crogiolarsi nel dolore e a credere che ci sia sempre e comunque un buon motivo per saltare nel buio.

Raffaella Sbrescia

 

 

 

Ballate per uomini e bestie: la mastodontica opera d’arte di Vinicio Capossela

Poesia, filosofia e denunzia confluiscono in “Ballate per uomini e bestie”, il nuovo album del cantautore, ri-trovatore e immaginatore Vinicio Capossela. In questo undicesimo lavoro in studio l’artista studia, analizza e metabolizza la realtà in un modo del tutto inusuale, complesso, ricco e potente. In questi 14 brani Vinicio si rapporta con storia, letteratura, filosofia, religione, poesia. L’Arte a tutto tondo prende il volo in queste ballate potenti e maestose, impreziosite da arrangiamenti strutturati, originali, spesso ispirati a medioevo, rinascimento e barocco. Un excursus antropologico di una portata tanto imponente quanto ben al di soprà delle possibilità cognitive di chi andrà ad ascoltarlo.
Nel presentare il disco, Vinicio Capossela racconta: “Questo lavoro parla della scomparsa dei vincoli sociali, si mette in luce l’aspetto anarchico del sé. All’interno del contesto in cui avviene questa autoanalisi c’è la peste. Il filo discorsivo sviscera la propagazione virale della stessa. I protagonisti sono animali antropomorfizzati in una dimensione plurale e ricca di spunti e mezzi narrativi. Il disco offre tante letture e porta a termine una serie di studi, approfondimenti, spunti, idee che ho portato avanti per 7 anni. La forma della ballata mi permette di raccontare delle storie attraverso un linguaggio erudito, edotto. Mi piace l’idea di fornire spunti, richiami, analogie e confondere l’immaginario di chi ascolta. In questo disco mi sono cimentato anche con nuove sonorità, su tutte quelle date dagli archi ipnotici di Teho Tehardo, si tratta di un mondo che ho scoperto da poco e che mi ha affascinato”. Il lavoro è stato scritto, composto e prodotto da Capossela mentre è stato registrato nell’arco di due anni tra Milano, Montecanto (Irpinia) e Sofia (Bulgaria) da Taketo Gohara e Niccolò Fornabaio. I compagni di viaggio di Vinicio sono stati: Alessandro “Asso” Stefana, Raffaele Tiseo, Stefano Nanni, Massimo Zamboni, Teho Teardo, Marc Ribot, Daniele Sepe, Jim White, Georgos Xylouris e l’Orchestra Nazionale della Radio Bulgara”.
In un’epoca in cui il mondo occidentale sembra affrontare un nuovo medioevo inteso come sfiducia nella cultura e nel sapere e smarrimento del senso del sacro, Capossela mette in mostra le similitudini e il senso di attualità che lo legano profondamente alle cronache dell’oggi prestando particolare attenzione al suono e al significato della parola scritta. All’interno di questi racconti c’è spazio per la contemplazione e la denuncia. Antico e moderno, rurale e urbano, forme primitive ed evoluzioni contemporanee convivono dando forma a inquietudini e pulsazioni, coadiuvandosi con riferimenti musicali storici e immaginifici. I movimenti dei suoni si allineano con quelli delle parole. Il contrasto tra sacro e profano racconta ed esorcizza il presente. In questo medioevo altro e tecnologicamente evoluto, fatto di nuove crociate, rinnovate guerre di religione, oscurantismo, lavoro industriale sulla paura, diffusione virale di pestilenze, dietro di noi o nella nostra mente inconscia ci sono gli animali: le bestie rappresentano pertanto l’ irrisolto punto di accesso al mistero della natura umana.
La narrazione prende il via con “Uro”, un animale estinto capace di incarnare la forza e il mistero di un unico buio primordiale. Fin dall’inizio l’accesso al sacro, al mistero, ha per l’uomo il volto dell’animale. Il viaggio prosegue con “Il povero Cristo”, ispirato alle vicende narrate dal Vangelo e che ci ricorda la grande croce di ciascuno di noi: Amare la vita e vivere sapendo di morire. Cristo non è riuscito ad insegnare agli uomini a salvarsi con il precetto più semplice che è quello in cui è racchiusa tutta la buona novella, il lieto annunzio: “ama il prossimo tuo come te stesso”.
La ballata più viva, ricca, furente è “La peste”: scorrono a cadaveri parole nel respiro della rete a mucchi interi. La meravigliosa peste virale che tutti ci fa liberi, che tutti ci fa uguali , la meravigliosa peste che libera il bubbone tutti in polluzione. Selfie, servie, selfie, servie. I nuovi crociati, un nuovo medioevo, il vecchio fascio nero.
Ci troviamo in una fase primitiva, una zona ibrida che non ha un’ etica, una normativa, in cui vale tutto, soprattutto i contenuti intimi della persona. Il brano è dedicato a Tiziana Cantone e vede Vinicio Capossela cimentarsi con l’autotune e un certo uso della tecnologia particolarmente ben riuscito.
L’uso della paura si fa strumentale in “Danza Macabra”, un brano ispirato all’immaginario universo di Tim Burton e di grande suggestione grazie ad un arrangiamento superbo. La danza della morte fa ballare tutti al suo ordine. Vince la maledizione eterna: ad mortem festinamus! Oggi a me domani a te”.
Ballate-Per-Uomini-E-Bestie-album-cover

Ballate-Per-Uomini-E-Bestie-album-cover

Ricchezza di parole e metafore si possono godere ne “La ballata del porco”: il maiale, animale totemico della cività contadina, mette in luce il tema del sacrificio: dopo una vita d’ingrasso, la creatura più prossima all’uomo, tanto negli organi interni, quanto nei nomi e negli aggettivi fa testamento. Ed è il testamento dell’uomo che ha voluto vivere con tutto il suo corpo che è appunto anagramma di porco.
Ne “La ballata del carcere di Reading”, Oscar Wilde, grande cultore della bellezza e dell’artificio scopre nella caduta il sentimento della com-passione e lo restituisce in questa ballata. “Ma ogni uomo uccide quello che ama”.
Un punk tribale, vivo e vibrante scandisce le “Le nuove tentazioni di Sant’Antonio”: un aggiornamento nel mondo contemporaneo delle tentazioni del celebre Abate che, come Prometeo, si calò all’inferno per rubare il fuoco. Famose sono le sue tentazioni che, in questa narrazione, si adeguano al mondo moderno: fare merce dell’attrazione, artificiare l’immaginazione, fare selfie in masturbazione, fare sesso in digigrafia, avvelenare la natura, bloccare il mondo con la paura. Fare un inferno di questa terra in nome del Paradiso, fare un deserto e riempirlo di niente.
Un pezzo preraffaelita viene definito “La belle dame sans merci”, ispirata alla poesia di John Keats per provare a spiegare in altri termini lo spinoso tema della solitudine.
Ancora una visione ispirata ad antichi temi per “Perfetta Letizia”, direttamente figlia dei fioretti di Francesco d’Assisi per provare a spogliarsi di tutto e andare oltre noi stessi e sostenere la pena della vita con leggerezza.
L’asino e poi il cane, il gatto e il gallo sono i protagonisti de “I musicanti di Brema”. Animali che impersonificano esseri umani destinati a morte da esaurimento nel ciclo produttivo e si uniscono per fare finalmente una cosa magnificamente inutile.
Giunge poi il western notturno di “Le loup Garou”: la metafora dell’uomo che in fase elettorale mette in piena luce la voglia di carne cruda. Il mannaro è l’infrazione della barriera tra uomo e animale. Un’altra corsa senza lieto fine è quella de “La giraffa di Imola”: nella corsa di questa giovane giraffa ci sono tutti i recinti e i fili spinati e il mare-sepolcro che circondano la “fortezza Occidentale”. L’amore non colto e l’esilio a vita, nella vita sta tra le righe del brano “Di città in città”. Da estraneo sono venuto, da estraneo me ne vado. Portando l’orso.
Chiude questo lavoro antologico “La lumaca”: una poesia per ricondurre il mondo all’umile e piccolo. Fuori dal tempo dell’Utile e del Lavoro. Il Sacro è lento e immanente. Capossela celebra la sacralità della lentezza, unica forma di eternità possibile: portarsi il cosmo sulle spalle e godersi la scia, esattamente come metaforicamente fa la lumaca.

 Raffaella Sbrescia

Animali Notturni: la recensione del nuovo album di Fast Animals and Slow Kids

animali-notturni-fask

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Con il quinto album “Animali Notturni” i Fast Animals and Slow Kids approdano in Warner Music e si affidano alla produzione artistica di Matteo Cantaluppi. Sulla carta tutto questo suona come un totale stravolgimento per la band capitanata da Aimone Romizi. Nella pratica invece si evince un dato di fatto: il gruppo perugino si è semplicemente evoluto. La passione viscerale è intatta, quello che è vivo è lo scambio di idee, una fusione di concetti, intenti e influenze che è sconfinata in un lavoro di non facile impatto. C’è bisogno di ascoltarlo diverse volte per coglierne i messaggi e le sfumature.

Nelle undici tracce di “Animali Notturni”, i FASK escono in avanscoperta cercando e, quindi trovando, una nuova direzione di un percorso creativo mai stantìo. Si sceglie di dare fiducia a questa band per la coerente intenzione di volersi emozionare suonando e di piacere innanzitutto a se stessa. Non si parla di autocompiacimento bensì di onestà artistica.

All’interno di questo discorso, la figura di Matteo Cantaluppi riveste un ruolo centrale in quanto il suo contributo ha lasciato migrare la centralità del lavoro della band dal testo all’arrangiamento, configurando concetti e pensieri in un modo diverso dai precedenti lavori; un approdo inaspettato, nuovo e forse ancora da metabolizzare per gli stessi FASK, il cui fuoco artistico è vivo brucia insieme a noi esattamente come si evince proprio nella omonima title track del disco. Vibranti, intense, appassionate sono le immagini di stampo evocativo presenti in “Cinema”. Coraggioso, onesto, libero e disperato è il testo de “L’urlo”. Si racconta di pene sentimentali ma da un punto di vista maturo e razionale in “Non potrei mai”, si riconoscono errori, paure e paranoie tra le righe di “Dritto al cuore”. Si insegue la felicità, la diversità, l’apertura dello spirito in “Canzoni tristi”. Arrivano poi i brani oscuri, scomodi e fascinosamente interessanti come “Un’altra ancora “ e “Demoni”: ammissione di colpa, ragionamenti fastidiosamente veri, autentici, viscerali che fanno male al cuore ma che al tempo stesso lo rendono puro e splendente.

I FASK parlano, suonano e scrivono di tutto quello che gli va, in questo ampio range semantico c’è spazio anche per affrontare lo spinoso tema del compromesso artistico in “Radio radio”: la voce di Romizi è incazzata, le parole pure. Il discorso prende una piega più introspettiva in “Chiediti di te” per capire se e come ci si possa sentire inadatti all’interno di un contesto sociale allo sbando. Ed è qui che si finisce al tema del cambiamento in “Novecento”: nuovi orizzonti sono quelli che vorremmo davanti a noi, grandi incertezze sono invece quelle con cui conviviamo ogni giorno senza trovare risposta. Il finale di “Animali Notturni” è più aperto che mai, starà a ciascuno di noi, scegliere come sarà il proprio.

Raffaella Sbrescia

 

Tarantelle: la ripartenza di Clementino. La recensione del disco

Clementino by @Chilldays

Clementino by @Chilldays

Tarantelle” è il nuovo album di Clementino. Un lavoro variegato, ricco di contenuti autobiografici, spesso complessi e scomodi, figlio di un periodo difficile in cui il rapper originario  di Cimitile si è trovato faccia a faccia con se stesso e con un periodo trascorso in comunità.

Forte del tempo, del talento, della volontà, “Tarantelle”riporta Clementino all’attenzione del pubblico attraverso un viaggio musicale che parte dal rap classico passando per ballate d’amore, velocissimi freestyle, dialetto napoletano e tante verità inserite strategicamente nella tracklist. Le 14 tracce che compongono il disco sono frutto di una selezione di 70 brani totali.

Selezionatissimi sono anche i featuring: Gemitaiz, Caparezza, Nayt e Fabri Fibra sono i compagni di viaggio di Clementino in “Tarantelle”, un disco senza freni inibitori, pungente, critico e ricco di giochi di parole. I pezzi più ficcanti sono quelli che ricalcano l’idea di uno stream of consciousness che guardano al passato che rimettono al loro posto le linee guida personali e artistiche di Clementino. L’artista salta da temi seri a quelli leggeri senza soluzione di continuità. Tra i brani più interessanti, evidenzio “Versi di te”; una traccia seria e importante. Al suo fianco piazzo “Babylon” feat. Caparezza ma soprattutto “La mia Follia”, il pezzo più personale e più realistico di Clementino. Il rapper scrive “Ragazzo devi stare attento che la vita fa promesse che non avrai mai” e “[…] scava dentro la propria psiche, prende di petto i problemi affrontati e scende dal trono del rapper tutto ganja e denaro. La degna chiusura del disco arriva con “Diario di Bordo”: Clementino si mette il passato alle spalle con consapevolezza e gratitudine, il suo flow è veloce, intenso, ricco. Da ascoltare e riascoltare per percepire le citazioni, le influenze, i riferimenti culturali ed esistenziali che vanno a rappresentare il significato tangibile di un disco che segna una ripartenza tanto attesa quanto intrisa di fiducia verso il futuro.

Raffaella Sbrescia

Al via l’Atlantico tour di Marco Mengoni: è giunto il tempo della consapevolezza.

marco mengoni -atlantico tour

marco mengoni -atlantico tour

“I’ll show you how great I am” è la scritta che campeggia sullo schermo all’inizio del nuovo show di Marco Mengoni che per l’Atlantico tour si ispira alla filosofia di Muhammad Alì per veicolare un messaggio tanto forte quanto veritiero.

Questo nuovo tour vede Marco alle prese con un concerto molto strutturato sviluppato con Claudio Santucci per Giò Forma e suddiviso in tre parti. Così come nel disco, l’artista veicola idee, energie e contenuti in una scaletta pensata per portare sul palco i suoi ultimi ascolti, i suoi viaggi, le sue idee e la sua evoluzione personale e artistica.

Sul palco con lui c’è un gruppo di musicisti coesi e preparati. Con la direzione musicale di Christian Rigano (piano e tastiere) ritroviamo Giovanni Pallotti (basso), Peter Cornacchia (chitarre), Davide Sollazzi (batteria) e incontriamo Massimo Colagiovanni (chitarre), Leonardo Di Angilla (percussioni) mentre ai cori ci sono Barbari Comi, Moris Pradella (anche chitarra) e Yvonne Park.

Per chi era abituato a vedere un artista esibirsi a cuore aperto si troverà di fronte a qualcosa di molto diverso. Marco è cresciuto, è maturato, ha imparato a gestire le emozioni e il tremolìo delle gambe. La sua voce tocca note e tonalità che solo lui può fare con tanta naturalezza, allo stesso tempo però non ci sono più scoppi di lacrime e inondazioni di emozioni incontrollate. L’obiettivo di Marco è dosare, equilibrare, concentrare i contenuti delle sue ballads storiche alternandole alla dimensione calda, trascinante, ipnotica del mondo latino, al soul, alle radici afro fino a virare verso echi di dub, metal, tappeti elettronici decongenstionanti.

marco mengoni -atlantico tour

marco mengoni -atlantico tour

Tutto il discorso musicale viaggia di pari passo anche con l’aspetto tecnologico e visuale: la scenografia, dapprima scarna e minimale, si nutre di luci ed effetti strettamente correlati ad uno speciale schermo in grado di diventare completamente trasparente fino a lasciar intravedere una grata industriale. L’obiettivo in questo show è fondere mondo analogico e quello digitale come lui stesso ha spiegato alla stampa alla fine del concerto: “Il progetto del palco esiste già da tre anni ma con il passare dle tempo ha subito continui cambiamenti e trasformazioni fino a pochi giorni prima dello show”. Di grande impatto due grandi passerelle laterali al palco in grado di innalzarsi fino a 7 metri di altezza, un veliero di grande impatto scenico che pone Marco in una condizione visuale di completo trionfo.

In verità il concerto vuole essere di tutti, esattamente come lo stesso Marco sottolinea sia sul palco che nel backstage. L’idea è quella mettere in luce l’operato di tutti nel segno dei valori che nascono da questo tour. Liberazione, apertura, curiosità, riflessione si avvicendano all’interno di un concerto appassionato e ricco di momenti per niente scontati e coraggiosi.

Su tutti spiccano due monologhi intensi, necessari, preziosi. Sarebbe stato bello se a parlare di certi temi fosse stato direttamente Marco in prima persona ma ci accontentiamo anche cosi: “Sei fatto per il 60% di acqua, per il 30% delle persone che ami e per il 10% di quello che ti manca”, recita la voce dell’artista nel primo monologo, proprio lui che da mesi insiste nel dire che gli manca sempre il tempo per godersi le cose. Il secondo monologo si concentra invece sui temi sociali e di grande attualità: Marco Mengoni tenta la sua carta per sensibilizzare il pubblico al rispetto per l’ambiente e per ammonirlo sui rischi di annichilimento e indifferenza, due dei più grandi mali che affliggono la nostra società.

In scaletta ci sono naturalmente quasi tutti i brani di “Atlantico” ma anche vecchie glorie come “In un giorno qualunque”, “Non passerai”, Dove si vola”, fusa in modo convincente con “Someone like you” di Adele e soprattutto una nuovissima vibrante versione di “Credimi ancora” arricchita da un mashup di “Amazing” di Kanye West e “Pastime Paradise” di Stevie Wonder; uno degli esperimenti meglio riusciti in termini di arrangiamenti per questo neonato tour. Irresistibili “Buona vita”, in mashup cubano con Chan Chan di Company Segundo. Il prezioso omaggio a Frida Kahlo con “La casa Azul” e le trascinanti percussioni di “Amalia” dalla imperiosa carica adrenalinica conferitale dal contributo di tutta la band al completo.

Completano la scaletta la trionfale “Guerriero”, un accenno de “L’essenziale” e la versione piano solo di “20 Sigarette” in cui Marco si siede per la prima volta al pianoforte e invita tutti a spegnere i cellulari per godersi fino in fondo ogni singolo istante di un momento da vivere con tutti i sensi all’erta.

Chiudono lo show la versione integrale de “L’essenziale” e l’incantevole “Hola”; il modo ideale con cui Marco Mengoni sceglie di congedarsi dal suo affezionatissimo pubblico dopo una prima tappa carica di emozioni, aspettative, ricordi, scoperte, riflessioni, intuizioni.

 Raffaella Sbrescia

Fabrizio Moro pubblica il nuovo album “Figli di nessuno”. La recensione

Fabrizio Moro

Fabrizio Moro

“Figli di nessuno” è il decimo album di inediti di Fabrizio Moro. Un album diretto e senza filtri in cui l’artista ha voluto esprimersi ancora una volta in tutta la propria sincerità esponendo la propria sfera più intima. Un disco scritto e prodotto in pochi mesi, durante i quali Fabrizio e i suoi musicisti hanno avuto modo di restare chiusi in studio a curare ogni dettaglio relativo alla costruzione di arrangiamenti ricchi di richiami e influenze musicali . L’antifona era già stata subito chiara con il singolo di lancio “Ho bisogno di credere”: oggi non mi spezzo e non abbasso mai lo sguardo e se sono così forte lo devo solo al mio passato, ho fede in te e ho fede nel colore. Questo suo modo di scrivere in modo urgente, necessario, arrabbiato convive dunque con la speranza, la fiducia, la forza di volontà. Fabrizio spera, crede, rivela, risana, scava e scova a fondo nel passato, nelle cose, nelle persone e sopratutto non dimentica. Ogni frame della vita diventa risorsa a cui fare riferimento quando lo si ritiene più necessario. Fabrizio Moro è e rimane un combattente, l’artefice della propria salvezza, un uomo che nel suo essere rimasto coerente ha saputo mantenere intatta la propria sensibilità e la propria creatività senza mai scendere a compromessi. La sua attitudine rock continua a esistere e svilupparsi anche in “Figli di nessuno” ed è proprio qui che sgorga la sua voglia di rivalsa, di dimostrare a chi lo ha umiliato, disprezzato, ostacolato. Fabrizio ce l’ha fatta e ci svela che gli artefici della nostra salvezza siamo proprio noi stessi.
Tra i brani più importanti del disco c’è “Filo d’erba” dedicata a suo figlio Libero: un brano tanto intenso quando scomodo per Fabrizio che ammette la sua responsabilità nei confronti delle fragilità di un bambino che vive la separazione dei genitori. Un modo per mettere a nudo certe verità che fanno male ma che al contempo possono rappresentare un punto fermo da cui ripartire. C’è poi “Non mi sta bene niente”, un brano manifesto, molto vicino alla descrizione di una personalità complessa, irrequieta, genuina e autentica come la sua. La piccola perla del disco è il brano “Me ‘nnamoravo de te”, un capolavoro di testo e poesia in cui il punto di vista di due bambini che si innamorano è l’espediente metaforico per rivivere e percorrere gli ultimi cinquant’anni della Repubblica Italiana. Un’epopea ferma ad un punto di stallo che ci fa struggere e che stimola lo spirito combattivo di chi sente il fuoco degli ideali bruciare dentro. Bravo Fabrizio, sii te stesso sempre, continueremo ad essertene grati.

 Raffaella Sbrescia

Tracklist

1. Figli di nessuno 2. Filo d’erba 3. Quasi 4. Ho bisogno di credere 5. Arresto cardiaco 6. Come te 7. Non mi sta bene niente 8. Me’ nnamoravo de te 9. Per me 10.#A 11. Quando ti stringo forte

Da oggi, Fabrizio Moro incontrerà i fan per presentare il nuovo album di inediti “Figli di nessuno” con un instore tour: il 12 aprile a Roma (Discoteca Laziale in Via Mamiani, 62 – ore 18.00); il 13 aprile a Bari (La Feltrinelli c/o C.C. “Mongolfiera Santa Caterina” in Strada Santa Caterina, 19 – ore 18.00); il 14 aprile a Milano (Mondadori Megastore in Piazza Duomo, 1 – ore 18.00); il 16 aprile a Salerno (C.C. “Maximall” di Pontecagnano Faiano, Salerno in Via Pacinotti, snc – ore 18.00); il 17 aprile a Napoli (La Feltrinelli della Stazione Centrale Piazza Garibaldi – ore 18.00); il 18 aprile a Catania (C.C. “Etnapolis” di Belpasso, Catania in Contrada Valcorrente, 23 – ore 18.00); il 19 aprile a Palermo (C.C. “La Torre” in Viale Michelangelo – ore 18.00); il 23 aprile a Bologna (SEMM Music Store & More in Via Oberdan, 24F – ore 18.00); il 24 aprile a Gorizia (C.C. “Tiare

Shopping Center” di Villesse, presso Località Maranuz, 2 – ore 18.00); il 27 aprile a Torino (Mondadori Bookstore in Via Monte di Pietà 2 ang. Via Roma – ore 18.00); il 28 aprile a Limbiate – MB (C.C. “Carrefour” di Limbiate, Monza-Brianza presso Ex SS 527 angolo Via Garibaldi – ore 18.00); il 2 maggio a Taranto (Mondadori Bookstore in Via Giuseppe de Cesare, 35 – ore 18.00); il 3 maggio a Foggia (C.C. “Gargano” di Monte Sant’Angelo, Foggia presso Contrada Pace – Loc. Macchia – ore 18.00); il 4 maggio a Latina (La Feltrinelli in Via A. Diaz, 10 – ore 18.00); l’8 maggio a Firenze (la Feltrinelli RED in Piazza Della Repubblica, 26 – ore 18.00); il 9 maggio a Padova (C.C. “Piazzagrande” di Piove di Sacco, Padova in Via Fratelli Sanguinazzi, 1 – ore 18.00).

Achille Lauro presenta il nuovo album “1969″: Sono l’operaio del mio successo”

ACHILLE LAURO foto di Cosimo Buccolieri

ACHILLE LAURO foto di Cosimo Buccolieri

Esce oggi 1969” (Sony Music Italy) il nuovo album di Achille Lauro. Dopo essere salito alla ribalta popolare grazie alla partecipazione al Festival di Sanremo con il brano “Rolls Royce”, Achille Lauro lancia questo nuovo progetto con 10 tracce lavorate insieme a Fabrizio Ferraguzzo ed Edoardo “BossDoms” Manozzi, interamente registrate nei nuovissimi RCA studios della Sony.

L’Amleto romano è un sexy ugly artist: Achille Lauro vuole essere glam, bohemien, angel, devil, rebel, dreamer, killer, fucker, sudbolo e ruffiano.

Il controverso artista romano si ispira agli anni ‘60 e ‘70 e alle relative icone. Rock’n’ roll e libertinaggio fanno da sfondo ad un album in cui il testo lascia spesso spazio alle parole in libertà. Non ci sono costrutti, non ci sono concetti, non ci sono messaggi. Lauro si affida alle intenzioni che ci sono dietro le parole. Profonda disperazione ed estrema leggerezza convivono in un artefatto che, nel suo insieme, risulta sicuramente diverso da quanto circola in Italia in questo momento e che al contempo lascia una sensazione di vuoto da colmare. Un po’ come se Achille Lauro avesse il potenziale di dirci di più, di osare come soltanto lui potrebbe permettersi di fare e non fa. Un freno a mano che in realtà sembra più motivato dalla scelta precisa di lasciarci in attesa, d’altronde lui stesso ha dichiarato di voler sviluppare il sound usato per questo disco e che è al lavoro su altri due album. Ne sentiremo sicuramente delle belle.

Questo è, intanto, tutto quello che Achille Lauro ci ha raccontato nel corso della conferenza stampa che si è tenuta a Milano:

Sono sempre stato un outsider in qualunque momento e in qualsiasi progetto in cui mi sia lanciato in questi anni. Questo disco è un passo importante, questa è una bella veste ma sto già lavorando ad altri due album che sto sviluppando. In questo momento mi sento al posto giusto, nel momento giusto. Mi sono ispirato agli anni 60’ e ‘70, anni in cui c’era voglia di fare, di dire, di cambiamento, di libertà. Una manciata di ore dopo la Finale di Sanremo ero già in studio a finire questo progetto che porto avanti da due anni. In copertina ci sono 4 icone: James Dean, Marylin Monroe, Jimi Hendrix, Elvis Presley. Vere e proprie leggende che dopo 50 anni vendono ancora dischi. Artisti che incarnano l’immaginario hippie e libertino a 360 gradi.

Il rock’n’roll è più un life syle che uno state of mind. Leggerezza e malinconia convivono rispecchiando ciascuno di noi. Ognuno attraversa alti e bassi, io cerco di fermare questi momenti (sia alti che bassi) contaminando il sound e cercando di dare a tutto l’insieme la direzione giusta.

Questi brani sono stati scritti in momenti particolarmente difficili, mi sento fortunato nell’aver reso queste sensazioni tangibili. Tutta la mia musica è condizionata dalla mia vita, qui si parla di vuoti interiori. Non mi piace essere inquadrato, non mi piace fare sempre le stesse cose. Sto sperimentando così come nessun pittore dipingerebbe lo stesso quadro tutta la vita. Voglio fare qualcosa di diverso che piaccia a me stesso in primis. Le piccole storie che ho scritto le ho affrontate in modo diverso senza ostentarle, quasi come una preghiera come ho cercato di fare in 

Oggi affronto la passione come una carriera che comporta un sacrificio di tutti i giorni. Sono un operaio del mio successo, l’ho costruito ora per ora, senza dormire per 7 anni circa. Questo è il momento delle responsabilità, mi sento responsabile per le persone che hanno lavorato a questo progetto e per la mia famiglia. Se sbaglio io, cascano in tanti. Mi interessa mantenere il successo anche se vorrei sottolineare che l’arte è l’arte e l’educazione è un’altra cosa. L’artista non è un educatore. Mi sono fatto strada in mezzo agli illusionisti, sto lavorando a tante cose nuove ma la musica è una strada tortuosa, è una scommessa, anche se lavori 20 ore al giorno non sai mai se ce la farai. Ho investito tutti i miei soldi e il mio tempo in questo sogno, ho lasciato tutto e tutti, l’illusionista principale è questo mondo che, invece di trainarti, ti prende tutto quello che hai.

achille lauro

achille lauro

A Sanremo ero molto motivato, avevo ricevuto ottime recensioni, ero felice di sapere che questo brano di rottura non fosse bello solo per me. Le polemiche sorte in seguito, in merito al possibile riferimento alla droga nel testo di “Rolls Royce” le ho inizialmente ignorate, le ritenevo circoscritte al Festival, mi è dispiaciuto vedere continuare a oltranza questa cosa. Quando volevo essere esplicito, lo sono sempre stato. Vedere che la gogna mediatica distoglieva l’attenzione dalla mia musica mi ha deluso, soprattutto ritengo che l’argomento droga sia stato discusso con estrema superficialità. Chi ne parla non conosce un tema che va analizzato e discusso nelle sedi opportune. Il vero pericolo non è in chi è nato a contatto con queste cose, il pericolo è in chi ci si trova davanti come di fronte a un gioco senza capirne la mortale pericolosità. Sono riuscito a farmi passare tutto concentrandomi sulla musica e mettendoci tutto il mio impegno, un po’ come sempre accade a chi riesce ad avere un certo tipo di successo (vedi Sfera Ebbasta ndr).

Ho voglia di rimanere, a volte mi è capitato di sentirmi un fantasma, spesso frutto di etichette sbagliate che mi sono state appiccicate. Ho 28 anni e voglio arrivare a diverse generazioni così come è riuscito a fare Vasco Rossi. La musica è comunicazione, a volte l’intenzione che c’è dietro alle parole è più importante delle parole stesse. Svilupperò questo sound, mi piace parecchio. L’anima resterà sempre la stessa, nell’album ci sono diverse zone comfort per i fan della prima ora. Ovviamente è rimasta anche quella disperazione che è squisitamente connessa alla mia sfera caratteriale. I miei brani non sono quasi mai dediche, sono pensieri e stati d’animo che voglio immortalare, non mi interessano i singoli, non mi interessano le mode, faccio quello che mi piace e voglio semplicemente dire la mia. In questo mercato che mastica e sputa, il mio obiettivo è lasciare il segno.

Il tour sarà il riflesso esatto del disco, sarà all’insegna del cambiamento. Sto preparando uno show diverso, avrò una band. Porteremo una nuova ondata di musica diversa. Molti dei nuovi brani sono proprio nati per il live. Per il discorso legato alla mia possibile partecipazione nella veste di giudice a X Factor, tutti ne parlano ma io non ne so nulla al momento. Sarebbe bello però, ho trascorso una intera giornata con Mara Maionchi e mi sono divertito molto.

Raffaella Sbrescia

Questa la tracklist del disco, prodotto da Fabrizio Ferraguzzo e Boss Doms: “Rolls Royce”; “C’est la vie”; “Cadillac”; “Je t’aime” (feat. Coez); “Zucchero”; “1969”; “Roma” (feat. Simon P); “Sexy Ugly”;“Delinquente”; “Scusa”.

Al via domani, venerdì 12 aprile, l’instore tour durante il quale l’artista attraverserà l’Italia per incontrare i fan e firmare le copie del nuovo album

Questi gli appuntamenti confermati:

Venerdì 12 aprile (ore 17:00) a Milano – Mondadori Megastore (Piazza Duomo, 1)

Sabato 13 aprile (ore 14:30) a Genova – La Feltrinelli (Via Ceccardi, 16)

Sabato 13 aprile (ore 18:00) a Torino – Mondadori Bookstore (Via Monte di Pietà, 2 ang. Via Roma)

Domenica 14 aprile (ore 14:30) a Verona – La Feltrinelli (Via Quattro Spade, 2)

Domenica 14 aprile (ore 18:00) a Stezzano (BG) – Media World c/o CC Le Due Torri (Via Guzzanica, 62/64)

Lunedì 15 aprile (ore 15:00) a Firenze – Galleria Del Disco (sottopassaggio Stazione Santa Maria Novella)

Lunedì 15 aprile (ore 18:00) a Lucca – Sky Stone & Songs (Piazza Napoleone, 22)

Martedì 16 aprile (ore 17:00) a Roma – Discoteca Laziale (Via Mamiani, 62)

Mercoledì 17 aprile (ore 16:30) a Bari – La Feltrinelli (Via Melo, 119)

Venerdì 19 aprile (ore 15:00) a Forlì – Mondadori Bookstore c/o CC Mega (Corso della Repubblica, 144)

Venerdì 19 aprile (ore 18:00) a Bologna – Semm Music Store & More (Via Oberdan, 24F)

Sabato 20 aprile (ore 14:30) a Varese – Varese Dischi (Galleria Manzoni, 3)

Sabato 20 aprile (ore 18:00) a Como – F.lli Frigerio Dischi (Via Garibaldi, 38)

Giovedì 2 maggio (ore 15.00) a Napoli - La Feltrinelli Stazione Centrale (Piazza Garibaldi)

Giovedì 2 maggio (ore 18.00) a Salerno - La Feltrinelli (Corso Vittorio Emanuele 230)

Venerdì 3 maggio (ore 16.30) a Foggia – Mondadori Bookstore (Via Guglielmo Oberdan, 9-11)

Dal 3 ottobre ACHILLE LAURO arriverà nei club con il “ROLLS ROYCE TOUR”.  Queste le date confermate:

3 ottobre al Tuscany Hall di Firenze

4 ottobre all’Atlantico Live di Roma

7 ottobre al Fabrique di Milano

10 ottobre al PalaEstragon di Bologna

11 ottobre al Teatro Concordia di Venaria Reale (TO)

13 ottobre alla Casa della Musica di Napoli

 

 

 

Henosis: Joep Beving chiude la trilogia in modo maestoso. La recensione dell’album

Joep Beving

Joep Beving

Viene dall’Olanda e ha già abbondantemente dato prova del suo indiscutibile talento. Lui è il pianista Joep Beving che con Henosis, pubblicato il 5 aprile per Deutsche Grammophon, chiude una trilogia imponente. Massiccia è, tra l’altro, la quantità di note e di stimoli offerti da questo suo mastodontico ultimo album composto da ben 23 brani per oltre 100 minuti di musica. Un’esperienza sensoriale plurima, è il caso di dire. Il comune denominatore delle nuove composizioni strumentali di questo artista visionario rimane chiaramente il pianoforte: un vecchio Schimmel verticale ereditato da sua nonna in cui ogni tocco si intinge di ricordi e di sfumature che rendono il suono fortemente personale e inscindibile dall’artista. L’intento di Beving è il perseguimento della connessione tra l’uomo e il cosmo. I due album precedenti sono perciò da considerarsi dei passaggi propedeutici a questa finalità ultima. L’analisi dell’interiorità diventa uno strumento, una risorsa per addentrarsi all’interno di un più ampio processo di ampliamento semantico. La proattività dell’ascoltatore è l’immediata reazione che l’istinto mette in atto soprattutto nei brani in cui compare la mano di Maarten Vos. Per questo progetto, Beving si avvale infatti di archi, synth ed elettronica minimale per una molteplice declinazione di sfumature raggiungendo sempre un risultato di grande impatto acustico. C’è bisogno di tempo da investire e pensieri da raccogliere per ascoltare questo disco, non è di certo un lavoro che può essere fruito da ascoltatori mordi e fuggi, sarebbe davvero uno spreco perdersi la bellezza, la nobile intenzione metafisica dell’autore, la prospettiva finale di un viaggio compositivo durato quattro anni e che per qualche attimo ci offre l’ologramma fedele della vacuità della nostra mente.
Brani preferiti: Into the dark blue, Nebula.
Raffaella Sbrescia

Angelica riparte da solista: la recensione dell’album “Quando finisce la festa”

Angelica - Quando finisce la festa

Angelica – Quando finisce la festa

Lo sai che anche le cose invecchiano, invecchiano si rompono non restano. Noi siamo i giocatori dei giochi fuori luogo dei luoghi fuori gioco ogni domenica anche se non ci va, anche se non mi va. Così canta Angelica (Schiatti), ex front-woman dei Santa Margaret, in “Giocatori”, brano tratto dal suo album d’esordio in veste di solista. Il disco s’intitola “Quando finisce la festa”  (Carosello Records) e mette Angelica nella posizione di ritrovare la quadra della propria cifra stilistica. Capire in che direzione muoversi, se mantenere le radici del gruppo o estirparle del tutto. Ad aiutarla in questo fondamentale percorso di ricerca artistica, un nutrito gruppo di musicisti di grande esperienza come: Antonio “Cooper” Cupertino, Massimo Martellotta e Fabio Rondanini dei Calibro 35, Teo Marchese e Ivo Barbieri, Adriano Viterbini dei Bud Spencer Blues Esplosion e Daniel Plentz dei Selton.
Il risultato è un disco con degli arrangiamenti molto astuti, che pescano tra le epoche, che regalano un’aura retrò al progetto, che ne esaltano l’estetica malinconica. In mezzo ci sono le canzoni, tutte scritte da Angelica. Si va dal magnetismo cinematografico di “Adulti con riserva” alla già citata “Giocatori” passando tra le memorie casuali della liquida “Beviamoci” e la tristezza consapevole di “Due anni fa”. La forza del disco sta nel cercare di rendere la riflessione e la malinconia una risorsa per affrontare un limbo esistenziale: cosa si prova nell’affrontare la fine di qualcosa che coincide con l’inizio di un nuovo capitolo? Ecco cosa prova a raccontarci Angelica. Concetti come memoria, tempo, distanza si incrociano e si rincorrrono, un po’ come avviene in “Domenica e lunedì”. Si arriva alla titletrack “Quando finisce la festa” con frasi che rimbombano: Questa canzone non mi basterà per riempire tutti i vuoti che ho. Il trampolino è troppo in alto, la vita è durante il salto. Quello che ho da dire è qui..., scrive Angelica mettendo per iscritto una serie di sensazioni contrastanti e complesse da affrontare. Il bilancio per questa cantautrice, già con diversi anni di rodaggio alle spalle, è che come primo passo di un nuovo percorso solitario, la prova è superata. Conoscendola però, le auguriamo di trovare il coraggio di osare di più, di celarsi meno dietro la scrittura e di essere più cruda, proprio come invece si mostra sul palco. L’identità solitaria è in divenire e noi la troviamo affascinante anche per questo.
Raffaella Sbrescia
TRACKLIST
01. Adulti con riserva – (03:24)
02. I giocatori – (03:05)
03. Beviamoci - (03:32)
04. Due anni fa – (04:04)
05. I giocatori – P.M. – (02:27)
06. Guerra e mare – (03:50)
07. Domenica e Lunedì – (02:48)
08. Mi spiace (davvero) – (03:39)
09. Bambina feroce – (03:28)
10. QFLF – Quando finisce la festa – (06:07)

“Sea Shell. Musica per conchiglie”: l’opera più green e più pazza di Mauro Ottolini. La recensione

Mauro-Ottolini-Sea-Shell-foto-Alberto-Martinelli

Mauro-Ottolini-Sea-Shell-foto-Alberto-Martinelli

Cura, dettaglio, attenzione, pazienza e follia sono gli ingredienti speciali alla base di “Sea Shell. Musica per conchiglie”, il nuovo lavoro discografico del polistrumentista, compositore e arrangiatore Mauro Ottolini. Quest’opera, pubblicata lo scorso 1° marzo per Azzurra Musi con il prezioso sostegno di Greenpeace, Legambiente, Umbria Jazz, Doc Servizi e FestambienteSud, si compone di un cd e un cartoon che rappresentano un atto di devozione verso l’universo marino e i problemi che lo mettono in pericolo come l’inquinamento. Conchiglie italiane certo, ma provienienti anche da posti lontanissimi come Thailandia, Madagascar, Brasile, Costa Rica.
Una collezione ventennale, portata avanti con perizia e un pizzico di cocciutagine per spiegare che le conchiglie si possono anche suonare, grazie agli insegnamenti del Maestro Steve Turre, ottenendo un suono rilassante e magnetico. Lo scopo principale del disco è lanciare un forte messaggio ecologista.Con l’amico Maurilio Balzanelli, Ottolini ha registrato e sovrapposto i suoni delle conchiglie ai suoni che la natura stessa ci regala, come se le voci delle conchiglie ci raccontassero con la musica quello che hanno visto nel mare.
“Sea Shell ” mescola così i suoni naturali del mare, del vento, delle cicale, delle pietre sonanti di Pinuccio Sciola, le lattine raccolte abbandonate sulla spiaggia, i giocattoli sonori, gli strumenti aborigeni e quelli artigianali sardi in armonia perfetta con le percussioni, con le voci delle balene o con il rumore dei detriti marini calpestati. I brani sono tutti originali scritti e arrangiati per conchiglie da Ottolini e i titoli stessi ci raccontano già una storia. Unica eccezione il brano “La Madonna delle conchiglie” scritta e interpretata appositamente per questo lavoro da Vinicio Capossela.
Il disco si propone quindi di creare un contesto di ascolto sia mistico che socio-culturale impattante: l’obiettivo è quello di porre attenzione a certe tematiche di impatto sociale ma di creare anche una dimensione di ascolto peculiare, tale da catalizzare l’attenzione dell’ascoltatore in modo inedito e autentico. Tra i brani in tracklist troviamo “ Coral dirge”: corale di conchiglie a 6 voci, rivisitazione con due voci nuove aggiunte da Ottolini del brano corale Abide With Me di Monk che a sua volta è una semplificazione di un corale di Bach, una specie di overture al disco. “In voi siete qui”, esiste un modo per ricordare all’umanità che il nostro pianeta sta chiedendo aiuto e c’è bisogno di coalizione per poter migliorare lo stato delle cose.
“La madonna delle conchiglie” è il brano composto e cantato da Vinicio Capossela, già presente nell’album “Marinai Profeti e Balene”. Geniale e irriverente è “Plastic Islands” con il conturbante maestro Vincenzo Vasi alla voce. Questo brano ci racconta di un’isola di plastica dove i paguri vanno ironicamente a fare surf. Ne “La reina de la las conchas” la voce di Vanessa Tagliabue Yorke racconta la ricerca di una casa da parte del paguro Hermit che con l’aiuto della Regina delle conchiglie scende negli abissi marini, ma incontra solo immondizia e detriti. Il paguro Hermit è perciò costretto a vivere in un tappo di plastica rosso. Inquietante e veritiero è il brano “Prelude palude” un brano in cui si prefigura uno scenario buio e disastroso per i mari e gli oceani.
Quando il mare, gli oceani, i laghi e le sorgenti ormai saranno totalmente inquinati l’uomo sarà costretto per sopravvivere a diventare un nomade per trovare qualche falda d’acqua ancora potabile. Uno scenario drammatico in cui il predicatore musicista Waite partecipa al disco per recitare una cerimonia, un mantra per il mare. Un quesito universale chiosa l’album: WHAT CAN I DO FOR MOTHER EARTH? (Cosa posso fare per la Madre Terra?) A questa domanda, cerchiamo di rispondere tutti noi con azioni concrete.

 Raffaella Sbrescia

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