Fabrizio Moro pubblica il nuovo album “Figli di nessuno”. La recensione

Fabrizio Moro

Fabrizio Moro

“Figli di nessuno” è il decimo album di inediti di Fabrizio Moro. Un album diretto e senza filtri in cui l’artista ha voluto esprimersi ancora una volta in tutta la propria sincerità esponendo la propria sfera più intima. Un disco scritto e prodotto in pochi mesi, durante i quali Fabrizio e i suoi musicisti hanno avuto modo di restare chiusi in studio a curare ogni dettaglio relativo alla costruzione di arrangiamenti ricchi di richiami e influenze musicali . L’antifona era già stata subito chiara con il singolo di lancio “Ho bisogno di credere”: oggi non mi spezzo e non abbasso mai lo sguardo e se sono così forte lo devo solo al mio passato, ho fede in te e ho fede nel colore. Questo suo modo di scrivere in modo urgente, necessario, arrabbiato convive dunque con la speranza, la fiducia, la forza di volontà. Fabrizio spera, crede, rivela, risana, scava e scova a fondo nel passato, nelle cose, nelle persone e sopratutto non dimentica. Ogni frame della vita diventa risorsa a cui fare riferimento quando lo si ritiene più necessario. Fabrizio Moro è e rimane un combattente, l’artefice della propria salvezza, un uomo che nel suo essere rimasto coerente ha saputo mantenere intatta la propria sensibilità e la propria creatività senza mai scendere a compromessi. La sua attitudine rock continua a esistere e svilupparsi anche in “Figli di nessuno” ed è proprio qui che sgorga la sua voglia di rivalsa, di dimostrare a chi lo ha umiliato, disprezzato, ostacolato. Fabrizio ce l’ha fatta e ci svela che gli artefici della nostra salvezza siamo proprio noi stessi.
Tra i brani più importanti del disco c’è “Filo d’erba” dedicata a suo figlio Libero: un brano tanto intenso quando scomodo per Fabrizio che ammette la sua responsabilità nei confronti delle fragilità di un bambino che vive la separazione dei genitori. Un modo per mettere a nudo certe verità che fanno male ma che al contempo possono rappresentare un punto fermo da cui ripartire. C’è poi “Non mi sta bene niente”, un brano manifesto, molto vicino alla descrizione di una personalità complessa, irrequieta, genuina e autentica come la sua. La piccola perla del disco è il brano “Me ‘nnamoravo de te”, un capolavoro di testo e poesia in cui il punto di vista di due bambini che si innamorano è l’espediente metaforico per rivivere e percorrere gli ultimi cinquant’anni della Repubblica Italiana. Un’epopea ferma ad un punto di stallo che ci fa struggere e che stimola lo spirito combattivo di chi sente il fuoco degli ideali bruciare dentro. Bravo Fabrizio, sii te stesso sempre, continueremo ad essertene grati.

 Raffaella Sbrescia

Tracklist

1. Figli di nessuno 2. Filo d’erba 3. Quasi 4. Ho bisogno di credere 5. Arresto cardiaco 6. Come te 7. Non mi sta bene niente 8. Me’ nnamoravo de te 9. Per me 10.#A 11. Quando ti stringo forte

Da oggi, Fabrizio Moro incontrerà i fan per presentare il nuovo album di inediti “Figli di nessuno” con un instore tour: il 12 aprile a Roma (Discoteca Laziale in Via Mamiani, 62 – ore 18.00); il 13 aprile a Bari (La Feltrinelli c/o C.C. “Mongolfiera Santa Caterina” in Strada Santa Caterina, 19 – ore 18.00); il 14 aprile a Milano (Mondadori Megastore in Piazza Duomo, 1 – ore 18.00); il 16 aprile a Salerno (C.C. “Maximall” di Pontecagnano Faiano, Salerno in Via Pacinotti, snc – ore 18.00); il 17 aprile a Napoli (La Feltrinelli della Stazione Centrale Piazza Garibaldi – ore 18.00); il 18 aprile a Catania (C.C. “Etnapolis” di Belpasso, Catania in Contrada Valcorrente, 23 – ore 18.00); il 19 aprile a Palermo (C.C. “La Torre” in Viale Michelangelo – ore 18.00); il 23 aprile a Bologna (SEMM Music Store & More in Via Oberdan, 24F – ore 18.00); il 24 aprile a Gorizia (C.C. “Tiare

Shopping Center” di Villesse, presso Località Maranuz, 2 – ore 18.00); il 27 aprile a Torino (Mondadori Bookstore in Via Monte di Pietà 2 ang. Via Roma – ore 18.00); il 28 aprile a Limbiate – MB (C.C. “Carrefour” di Limbiate, Monza-Brianza presso Ex SS 527 angolo Via Garibaldi – ore 18.00); il 2 maggio a Taranto (Mondadori Bookstore in Via Giuseppe de Cesare, 35 – ore 18.00); il 3 maggio a Foggia (C.C. “Gargano” di Monte Sant’Angelo, Foggia presso Contrada Pace – Loc. Macchia – ore 18.00); il 4 maggio a Latina (La Feltrinelli in Via A. Diaz, 10 – ore 18.00); l’8 maggio a Firenze (la Feltrinelli RED in Piazza Della Repubblica, 26 – ore 18.00); il 9 maggio a Padova (C.C. “Piazzagrande” di Piove di Sacco, Padova in Via Fratelli Sanguinazzi, 1 – ore 18.00).

Henosis: Joep Beving chiude la trilogia in modo maestoso. La recensione dell’album

Joep Beving

Joep Beving

Viene dall’Olanda e ha già abbondantemente dato prova del suo indiscutibile talento. Lui è il pianista Joep Beving che con Henosis, pubblicato il 5 aprile per Deutsche Grammophon, chiude una trilogia imponente. Massiccia è, tra l’altro, la quantità di note e di stimoli offerti da questo suo mastodontico ultimo album composto da ben 23 brani per oltre 100 minuti di musica. Un’esperienza sensoriale plurima, è il caso di dire. Il comune denominatore delle nuove composizioni strumentali di questo artista visionario rimane chiaramente il pianoforte: un vecchio Schimmel verticale ereditato da sua nonna in cui ogni tocco si intinge di ricordi e di sfumature che rendono il suono fortemente personale e inscindibile dall’artista. L’intento di Beving è il perseguimento della connessione tra l’uomo e il cosmo. I due album precedenti sono perciò da considerarsi dei passaggi propedeutici a questa finalità ultima. L’analisi dell’interiorità diventa uno strumento, una risorsa per addentrarsi all’interno di un più ampio processo di ampliamento semantico. La proattività dell’ascoltatore è l’immediata reazione che l’istinto mette in atto soprattutto nei brani in cui compare la mano di Maarten Vos. Per questo progetto, Beving si avvale infatti di archi, synth ed elettronica minimale per una molteplice declinazione di sfumature raggiungendo sempre un risultato di grande impatto acustico. C’è bisogno di tempo da investire e pensieri da raccogliere per ascoltare questo disco, non è di certo un lavoro che può essere fruito da ascoltatori mordi e fuggi, sarebbe davvero uno spreco perdersi la bellezza, la nobile intenzione metafisica dell’autore, la prospettiva finale di un viaggio compositivo durato quattro anni e che per qualche attimo ci offre l’ologramma fedele della vacuità della nostra mente.
Brani preferiti: Into the dark blue, Nebula.
Raffaella Sbrescia

Angelica riparte da solista: la recensione dell’album “Quando finisce la festa”

Angelica - Quando finisce la festa

Angelica – Quando finisce la festa

Lo sai che anche le cose invecchiano, invecchiano si rompono non restano. Noi siamo i giocatori dei giochi fuori luogo dei luoghi fuori gioco ogni domenica anche se non ci va, anche se non mi va. Così canta Angelica (Schiatti), ex front-woman dei Santa Margaret, in “Giocatori”, brano tratto dal suo album d’esordio in veste di solista. Il disco s’intitola “Quando finisce la festa”  (Carosello Records) e mette Angelica nella posizione di ritrovare la quadra della propria cifra stilistica. Capire in che direzione muoversi, se mantenere le radici del gruppo o estirparle del tutto. Ad aiutarla in questo fondamentale percorso di ricerca artistica, un nutrito gruppo di musicisti di grande esperienza come: Antonio “Cooper” Cupertino, Massimo Martellotta e Fabio Rondanini dei Calibro 35, Teo Marchese e Ivo Barbieri, Adriano Viterbini dei Bud Spencer Blues Esplosion e Daniel Plentz dei Selton.
Il risultato è un disco con degli arrangiamenti molto astuti, che pescano tra le epoche, che regalano un’aura retrò al progetto, che ne esaltano l’estetica malinconica. In mezzo ci sono le canzoni, tutte scritte da Angelica. Si va dal magnetismo cinematografico di “Adulti con riserva” alla già citata “Giocatori” passando tra le memorie casuali della liquida “Beviamoci” e la tristezza consapevole di “Due anni fa”. La forza del disco sta nel cercare di rendere la riflessione e la malinconia una risorsa per affrontare un limbo esistenziale: cosa si prova nell’affrontare la fine di qualcosa che coincide con l’inizio di un nuovo capitolo? Ecco cosa prova a raccontarci Angelica. Concetti come memoria, tempo, distanza si incrociano e si rincorrrono, un po’ come avviene in “Domenica e lunedì”. Si arriva alla titletrack “Quando finisce la festa” con frasi che rimbombano: Questa canzone non mi basterà per riempire tutti i vuoti che ho. Il trampolino è troppo in alto, la vita è durante il salto. Quello che ho da dire è qui..., scrive Angelica mettendo per iscritto una serie di sensazioni contrastanti e complesse da affrontare. Il bilancio per questa cantautrice, già con diversi anni di rodaggio alle spalle, è che come primo passo di un nuovo percorso solitario, la prova è superata. Conoscendola però, le auguriamo di trovare il coraggio di osare di più, di celarsi meno dietro la scrittura e di essere più cruda, proprio come invece si mostra sul palco. L’identità solitaria è in divenire e noi la troviamo affascinante anche per questo.
Raffaella Sbrescia
TRACKLIST
01. Adulti con riserva – (03:24)
02. I giocatori – (03:05)
03. Beviamoci - (03:32)
04. Due anni fa – (04:04)
05. I giocatori – P.M. – (02:27)
06. Guerra e mare – (03:50)
07. Domenica e Lunedì – (02:48)
08. Mi spiace (davvero) – (03:39)
09. Bambina feroce – (03:28)
10. QFLF – Quando finisce la festa – (06:07)

“Sea Shell. Musica per conchiglie”: l’opera più green e più pazza di Mauro Ottolini. La recensione

Mauro-Ottolini-Sea-Shell-foto-Alberto-Martinelli

Mauro-Ottolini-Sea-Shell-foto-Alberto-Martinelli

Cura, dettaglio, attenzione, pazienza e follia sono gli ingredienti speciali alla base di “Sea Shell. Musica per conchiglie”, il nuovo lavoro discografico del polistrumentista, compositore e arrangiatore Mauro Ottolini. Quest’opera, pubblicata lo scorso 1° marzo per Azzurra Musi con il prezioso sostegno di Greenpeace, Legambiente, Umbria Jazz, Doc Servizi e FestambienteSud, si compone di un cd e un cartoon che rappresentano un atto di devozione verso l’universo marino e i problemi che lo mettono in pericolo come l’inquinamento. Conchiglie italiane certo, ma provienienti anche da posti lontanissimi come Thailandia, Madagascar, Brasile, Costa Rica.
Una collezione ventennale, portata avanti con perizia e un pizzico di cocciutagine per spiegare che le conchiglie si possono anche suonare, grazie agli insegnamenti del Maestro Steve Turre, ottenendo un suono rilassante e magnetico. Lo scopo principale del disco è lanciare un forte messaggio ecologista.Con l’amico Maurilio Balzanelli, Ottolini ha registrato e sovrapposto i suoni delle conchiglie ai suoni che la natura stessa ci regala, come se le voci delle conchiglie ci raccontassero con la musica quello che hanno visto nel mare.
“Sea Shell ” mescola così i suoni naturali del mare, del vento, delle cicale, delle pietre sonanti di Pinuccio Sciola, le lattine raccolte abbandonate sulla spiaggia, i giocattoli sonori, gli strumenti aborigeni e quelli artigianali sardi in armonia perfetta con le percussioni, con le voci delle balene o con il rumore dei detriti marini calpestati. I brani sono tutti originali scritti e arrangiati per conchiglie da Ottolini e i titoli stessi ci raccontano già una storia. Unica eccezione il brano “La Madonna delle conchiglie” scritta e interpretata appositamente per questo lavoro da Vinicio Capossela.
Il disco si propone quindi di creare un contesto di ascolto sia mistico che socio-culturale impattante: l’obiettivo è quello di porre attenzione a certe tematiche di impatto sociale ma di creare anche una dimensione di ascolto peculiare, tale da catalizzare l’attenzione dell’ascoltatore in modo inedito e autentico. Tra i brani in tracklist troviamo “ Coral dirge”: corale di conchiglie a 6 voci, rivisitazione con due voci nuove aggiunte da Ottolini del brano corale Abide With Me di Monk che a sua volta è una semplificazione di un corale di Bach, una specie di overture al disco. “In voi siete qui”, esiste un modo per ricordare all’umanità che il nostro pianeta sta chiedendo aiuto e c’è bisogno di coalizione per poter migliorare lo stato delle cose.
“La madonna delle conchiglie” è il brano composto e cantato da Vinicio Capossela, già presente nell’album “Marinai Profeti e Balene”. Geniale e irriverente è “Plastic Islands” con il conturbante maestro Vincenzo Vasi alla voce. Questo brano ci racconta di un’isola di plastica dove i paguri vanno ironicamente a fare surf. Ne “La reina de la las conchas” la voce di Vanessa Tagliabue Yorke racconta la ricerca di una casa da parte del paguro Hermit che con l’aiuto della Regina delle conchiglie scende negli abissi marini, ma incontra solo immondizia e detriti. Il paguro Hermit è perciò costretto a vivere in un tappo di plastica rosso. Inquietante e veritiero è il brano “Prelude palude” un brano in cui si prefigura uno scenario buio e disastroso per i mari e gli oceani.
Quando il mare, gli oceani, i laghi e le sorgenti ormai saranno totalmente inquinati l’uomo sarà costretto per sopravvivere a diventare un nomade per trovare qualche falda d’acqua ancora potabile. Uno scenario drammatico in cui il predicatore musicista Waite partecipa al disco per recitare una cerimonia, un mantra per il mare. Un quesito universale chiosa l’album: WHAT CAN I DO FOR MOTHER EARTH? (Cosa posso fare per la Madre Terra?) A questa domanda, cerchiamo di rispondere tutti noi con azioni concrete.

 Raffaella Sbrescia

TheRivati: Non c’è un cazzo da ridere. La recensione di un album scomodo e necessario

The Rivati - Non c'è un cazzo da ridere

The Rivati – Non c’è un cazzo da ridere

Avevamo lasciato i TheRivati sulle note di “Black from Italy”, li ritroviamo oggi con “Non c’è un cazzo da ridere”. Un titolo eloquente come lo è da sempre il linguaggio musicale e testuale della band napoletana composta da Paolo Maccaro (voce e testi), Marco Cassese, Antonio Di Costanzo (basso), Saverio Giugliano (sax, tenore e dub master) e Salvatore Zannella(batteria).
In tre anni di vita, lavoro, scrittura, la band torna a muso duro con un impatto vivido e vibrante sulla nostra realtà. Il mezzo è un concept album in cui le tracce si avvilupano una dopo l’altra nell’affresco audio-visivo di un’attualità avvilente in cui, difatti, non c’è davvero un cazzo da ridere.
Intensi, genuini, sfrontati, irriverenti, i TheRivati conservano inalterata la loro identità e lo fanno perseguendo una cifra stilistica autentica e fastidiosa al contempo. Fastidiosa sì, soprattutto per chi si è lasciato abbindolare dall’uso massiccio di elettronica e synth buttati qui e lì alla spicciolata. Qui si fa sul serio, si suda, si maledice, si impreca, si usano gli strumenti con cognizione di causa e lo si fa nel nome della scuola del neapolitan power, sulla scia della afro black music, sugli echi di un blues polveroso e dannatamente sexy.
Il mood è subito chiaro con le premesse di “Intro nervoso” che riprende una scena del film del 1982 “No grazie, il caffè mi rende nervoso”: l’invettiva è diretta alle fondamenta del music business e i TheRivati non le mandano proprio a dire a nessuno. Tanto inquietante quanto tristemente realistica è la trama di “Nun sto buono”, una canzone che prova a mettere nero su bianco la sensazione di totale estraniamento e inspiegabile avulsa malinconia che avvince l’anima di chi si ammala di depressione. Ancora temi scomodi in vista tra l’interludio di “Così parlò” e “Cocaina”, tra i mali più diffusi dell’epoca ultra contemporanea. Il dramma esistenziale viene sviscerato, senza soluzione di continuità in “Trent’anni”, la soglia in cui ciascun individuo sente su di sé una sorta di spada di damocle e si sente obbligato a tracciare bilanci tra passato e futuro. Le testimonianze del nostro vivere continuano in “Bataclan” e “Eyewitness (interludio)” con tanto di stralci audio a sancire nero su bianco un dramma epocale per la storia contemporanea. La forza dei The Rivati sta però nel perseguire e individuare il modo per reagire e vivere anche in questo marasma totale. A riprova di quanto detto troviamo “’O sce’”, “Rapsofollia” e “Stai tutta sudata” una triade di canzoni con cui la band mette in scena tutta la grinta del suono da cui trasuda l’anima e l’intenzione di chi, forte del sapersi reinventare anche in un contesto complicato, trova sempre le risorse necessarie per andare avanti a testa alta e con un bagaglio emotivo che possa bastare non solo per se stessi ma anche per tutte le anime affini che scelgono di sposare uno stile di vita, forse rude. ma decisamente più vero e più affascinante di quello di tante macchiette che, ad oggi, non hanno davvero un cazzo da raccontare.
Raffaella Sbrescia

 

M¥SS KETA: il nuovo album è Paprika. La recensione

M¥SS KETA

Dimenticatevi di “Una vita in Capslock”, M¥SS KETA si evolve e pubblica il nuovo album “Paprika” in cui la citazione all’omonimo film di Tinto Brass è chiaramente ovvia. Forte dell’espansionismo latente del collettivo Motel Forlanini, M¥SS KETA mette a segno una serie di collaborazioni anche molto distanti dal suo genere e dal suo pregresso discografico con l’obiettivo di scoprire altro di se stessa e di evolvere una cifra stilistica improntata al superamento del limite. L’attitudine di approccio sta nella ricerca del vario, del nuovo, del diverso, dell’originale. All’interno delle canzoni di questo lavoro, M¥SS KETA si ispira ad un immaginario erotico. Ci sono donne bollenti, intriganti, femminili. Il corpo femminile parla in modo diretto, inquietante, lisergico, assoluto. La femminilita assurge ad un’entità archetipica, primitiva. A scandire queste immagini sonorità jungle, hip hop, r’n’n, post produzioni e remix che stravolgono tutto ciò che M¥SS KETA aveva mostrato di se stessa fino ad ora. Così “Le ragazze di Porta Venezia”, già iconico, diventa un brano aggregante con le voci di Elodie e Joan Thiele.

M¥SS KETA diventa quindi un progetto aperto, in cui altri artisti si divertono ad entrare capendone la spiccata ironia e il mood sornione. Lontana anni luce dall’amore romantico, M¥SS KETA si scatena con Gabri Ponte, ride di se stessa, fa satira su usi e costumi grotteschi compiendo quasi un atto politico. La sua è un’estetica punk, una posizione di eterna esposizione a temi, spunti e territori sconosciuti. Un continuo esperimento che, nel battere il ferro finché caldo, si affida a sensazioni primordiali. Un continuo “do it yourself” in cui M¥SS KETA si affida a Motel Forlanini per esprimersi in totale libertà e in linea con una corrente di pensiero sfrontata, furba, senza rinunciare alla voglia di lanciarsi in termini di ricerca sonora.

Raffaella Sbrescia

TRACKLIST

1 – ALSO SPRACH ELENOIRE DI ELENOIRE FERRUZZI

2 – BATTERE IL FERRO FINCHÉ È CALDO

3 – UNA DONNA CHE CONTA REMIX FEAT. WAYNE SANTANA

4 – MAIN BITCH

5 – BOTOX REMIX FEAT. GEMITAIZ

6 – PAZZESKA FEAT. GUÉ PEQUENO

7 – TOP FEAT. LUCHÈ

8 – 100 ROSE PER TE FEAT. QUENTIN40

9 – MORTACCI TUA PROD. CACAO MENTAL

10 – CLIQUE PROD. POPULOUS

11 – LE RAGAZZE DI PORTA VENEZIA REMIX FEAT. ELODIE, PRIESTESS, JOAN THIELE

12 – B.O.N.O.

13 – LA CASA DEGLI SPECCHI PROD. GABRY PONTE

14 – FA PAURA PERCHÉ È VERO FEAT. MAHMOOD

PROSSIME DATE LIVE

 

5/4 VIPER THEATRE, FIRENZE |https://bit.ly/2Oknizs

6/4 TEATRO SOCIALE, COMO |http://bit.ly/marker2019

20/4 ROKOLECTIV FEST, BUCAREST

27/4 NEW AGE, RONCADE (TV) |https://bit.ly/2FopWQt

30/4 MONK, ROMA | https://bit.ly/2GCuYv0

10/5 LOCOMOTIV, BOLOGNA

17/5 DEJAVU, TERAMO

25/5 MI AMI, MILANO | https://bit.ly/2HNR928

19/7 MELT FESTIVAL, FERROPOLIS |https://meltfestival.de/en/

 

 

Le Vibrazioni live al Forum di Assago: vent’anni di storia in tre ore di concerto.

Le Vibrazioni concerto Forum ph di SteBrovetto

Le Vibrazioni concerto Forum ph di SteBrovetto

Che cosa vuol dire portare il rock vecchia scuola sul palco del Mediolanum Forum e farlo per la prima volta a vent’anni di distanza dagli esordi? Francesco Sarcina, il chitarrista-tastierista Stefano Verderi, il bassista Marco Castellani e il batterista Alessandro Deidda alias Le Vibrazioni sono tornati in pista dopo tortuose vicissitudini personali e di gruppo e lo hanno fatto con un concerto evento al Forum di Assago. Un live della durata di circa 3 ore in cui hanno messo in chiaro di voler tornare a fare sul serio e in modo autentico. Niente scenografie, visuals, discorsi strappalacrime e luci a effetto; la sostanza è quello a cui fanno riferimento Sarcina e compagni.
Tante le prove prima del concerto, così come forte è stato l’impegno sul palco sebbene il gruppo abbia necessariamente bisogno di una continuità dal vivo per limare le imperfezioni rude-style che in più di un’occasione hanno lasciato piccole lacune alchemiche on stage. Ne è passata di strada da quel 25 ottobre 2012, quando il gruppo decideva di tirare i remi in barca, con la partecipazione al Festival di Sanremo prima e con il recentissimo singolo “Cambia” poi, in alta rotazione radiofonica, il gruppo ha rimesso insieme le tessere di una storia nata su fondamenta solide e con radici ben impiantate nel rock made in Italy.
Le Vibrazioni- Forum foto di SteBrovetto

Le Vibrazioni- Forum foto di SteBrovetto

A movimentare la festa, un ricco di parterre di ospiti: dalle nuove leve ai pezzi da novanta. I primi ad esibirsi sono i Ministri, protagonisti di un’energica versione di “Portami via”, giunge poi il turno di Enrico Nigiotti sulle note “Ogni giorno”, suggestivo il contributo del frontman dei Subsonica Samuel in “E se ne va”. Poco incisiva la resa di “Caramelle” live con Pierdavide Carone e Dear Jack decisamente sottotono rispetto agli standard della serata. Divertita e divertente la comparsa di Elio che ha suonato il flauto sulle note di “Ovunque andrò”. Infuocata in tutti i sensi la performance di Piero Pelù in “Aspettando” ma soprattutto nell’iconica “Toro Loco”. Pessima e fuori luogo l’interpretazione che Achille Lauro ha fatto del suo brano sanremese “Rolls Royce”. Il cantante ha steccato tutto il brano senza mai riuscire a riprenderne le fila. Un’occasione persa e una brutta figura plateale. Il merito va comunque a Le Vibrazioni per aver voluto coinvolgere sul palco sia amici storici che nuovi esponenti della realtà musicale contemporanea.
Il gran finale, come si sperava, è tutto dedicato ai grandi successi del gruppo: “Dedicato a te”, “In una notte d’estate”, “Vieni da me” è la triade d’oro. Il sipario cala sulle note di “Su un altro pianeta”. Il bilancio di questo live si può racchiudere in un messaggio preciso, vivo e vibrante proprio come Sarcina e compagni hanno voluto mostrarsi per dire che sono tornati e che in realtà erano sempre rimasti da qualche parte nel cuore dei romantici del rock.
 
Raffaella Sbrescia
La scaletta
Così sbagliato
Seta
Electrip
Raggio di sole
Dimmi
Insolita
Sono più sereno
Portami via (con i Ministri)
Se
Non mi pare abbastanza
Ogni giorno (con Enrico Nigiotti)
Angelica
L’ultima neve
Respiro
Caramelle (con Pierdavide Carone/Dear Jack)
Pensami così
Cambia
E se ne va (con Samuel)
Ovunque andrò (con Elio)
Sani Pensieri
The boogie
Aspettando (con Piero Pelù)
Toro Loco (con Piero Pelù)
Amore Zen
Rolls Royce (con Achille Lauro)
Drammaturgia
Bis
Dedicato a te
In una notte d’estate,
Vieni da me
Su un altro pianeta

Poesià e civiltà: il nuovo album di Giovanni Truppi è un’opera d’arte che disturba e commuove.

Truppi - Poesia e civiltà

Truppi – Poesia e civiltà

“Poesia e civiltà” è il titolo del nuovo lavoro discografico di Giovanni Truppi. Con l’approdo alla major Virgin Records (Universal Music Italia), il cantautore e polistrumentista pubblica un’opera importante e di grande spessore letterario e artistico. La sua forma canzone è profonda, provocatoria, complessa, imprevedibile. Un’attitudine, quest’ultima, che determina un elemento di rottura con quanto ci è stato proposto in questi ultimi 4 anni dal cantautorato italiano di ultima generazione. Giovanni Truppi irrompe con le sue canzoni con una totale libertà di contenuti e intenti, riprende le tematiche serie dei cantautori degli anni’70, riesce a cantare l’amore in modo delicato, elegante, sorprendente. Il sentimento viene descritto attraverso dei frame cinematografici, Truppi riesce infatti a raccogliere tutti gli elementi chiave e a descriverli creando una vera e propria scena da vivere in prima persona. Le sue sono canzoni politiche. Si comincia con “Borghesia”, ispirata al romanzo “La scuola cattolica” di Edoardo Albinati. La rincorsa al benessere ci ha fatto perdere di vista le priorità essenziali. Ed ecco che allora Truppi le riprende ad una ad una: l’identità, la vita adulta, la bellezza, la civiltà, il rapporto con la società. Tutti concetti che, ad oggi, sono in balìa di una completa ridefinizione. Colpisce quindi la scelta di perseguire questo obiettivo lasciando da parte il linguaggio anarchico dei primi lavori a favore di un linguaggio più essenziale e semplificato. Questo muoversi tra classico e contemporaneo, ha spinto Truppi a mediare tra le fondamenta giovanili: Fabrizio De Andrè, Franco Battiato e Paolo Conte e le più forti suggestioni degli ultimi anni avute con Sun Kill Moon, Sufian Stevens, Father John Misty.
Giovanni truppi ph  sebastiano tomada piccolomini

Giovanni truppi ph sebastiano tomada piccolomini

Tra i brani più intensi di “Poesia e civiltà” c’è “Conoscersi in una situazione di difficoltà”: scegliere di darsi ad un’altra persona è quanto di più coraggioso e complesso possa esserci. Mettere da parte la propria unicità è un atto controverso ed è un dono prezioso, Giovanni Truppi descrive questo tentativo immaginandosi due persone che camminano sulla cima di un burrone, un susseguirsi di immagini che sconfinano in un climax di grande impatto emotivo.
Una delle canzoni che, invece, mette nero su bianco la sensazione di smarrimento socio-culturale che stiamo vivendo è “Le elezioni politiche del 2018”: Truppi fotografa la contemporaneità in modo fedele e tagliente. I protagonisti sono due persone poco più che trentenni che si confrontano su un momento storico controverso e inquietante.
E poi c’è “L’unica oltre l’amore”, il brano che in qualche modo riesce a mediare e sintetizzare i grandi temi dell’album: una posizione politica e romantica, poetica e civile, un modo netto di definire il termine “empatia”, l’opposizione letteraria a chi salta solo sulla barca di chi vince e mai di chi perde. Un atto dello spirito che, come un balsamo, riesce ancora a darci l’idea di opposizione conscia e consapevole.
A questo punto c’è solo da dire bravo a questo artista che, con l’approdo alla major discografica, si è mostrato al massimo del fulgore, ha scelto di restare libero, di investire registrando il disco negli Stati Uniti, di portare 6 persone sul palco in tour per dare massimo lustro ad un disco importante  e necessario, di dosare la sua lente di ingrandimento sul mondo; quella che da napoletano, in costante conflitto con la sua città di origine, è riuscito a portare con sé per poter mantenere l’occhio lucido, il cuore pieno, l’anima pura, la penna pronta.
Raffaella Sbrescia

Hype Aura: la recensione del nuovo album dei Coma_Cose

HYPEAURA - Coma_Cose

HYPEAURA – Coma_Cose

“Comunque vada l’inizio alla fine saremo solo io e te con i nostri mostri e sentimenti. Quindi non preoccuparti se hai paura”, questa la premessa di “Hype Aura”( leggasi Hai paura” il nuovo album di Coma_Cose, il duo formato da Fausto Lama e California. Rap e cantautorato si fondono in un progetto liquido, intriso di fotogrammi tratte dalla routine quotidiana e citazioni di illustre calibro, sempre e comunque rielaborate attraverso la caratteristica sintassi dei Coma_Cose. Lo sfondo costante è Milano e tutto il circondario anche periferico. Un conglomerato dii flashback, contesti più o meno inflazionati alternati a case di ringhiera e agglomerati di edifici più o meno glamour.

Navigli, Porta Genova, Darsena sono le muse ispiratrici di una poesia urbana inaspettata. Il risultato è un immaginario crepuscolare, denso di immagini in movimento fissate in riflessioni intime e pungenti. I Coma_Cose curano ogni dettaglio, scrivono e dirigono anche i propri video proprio per dare giusta resa a testi pregni di giochi di parole e altrettante citazioni: Battiato, Jodorowsky, beat generation, Jack Kerouak, De Chirico i punti di riferimento per questi nove pezzi inediti, anticipati dai singoli “Granata” (Mai una gioia tranne la fermata prima di Centrale) e ” Via Gola”.
Per darvi un esempio di quanto si sta cercando di descrivere, ecco un estratto dal brano “Mancarsi”: Con la nebbia i lampioni disegnano liane di luce in una giungla di cemento. Ci hanno dato tutto, ci hanno tolto tutto, poi ci hanno detto lascia un commento. Ci hanno detto vivere è una corsa quindi corri, lo capirai solo al traguardo. Ci hanno dato un cuore in mezzo alle gambe ma senza le istruzioni per usarlo. Ci hanno dato il piombo, ci hanno dato il fango ci hanno chiesto: “Quando diventate grandi?” E nonostante tutto abbiamo ancora gli occhi rossi come quelli dei conigli bianchi. Ci hanno detto niente dura per sempre tranne la musica, quella rimane. Ma per fortuna io ho incontrato te che mi ricordi casa come le campane.

L’impressione netta è che qui si è difronte a dei brani manifesto di disagio ma anche di resilienza, l’arte e la creatività sono le risorse con si riesce a fare fronte al cinismo dilagante. La riprova di questa consapevolezza sta in “Beach Boys distorti”: Nuovi cantanti, io agli opposti. Loro tarocchi, Jo-dorowsky. Loro tutto fumo e mai arrosti. Io poeta, Majakowskij. C’è poi l’amore, mai smielato, mai evidente, eppure vivo e vibrante in “A lametta”: Sabato non si incomincia quasi mai una rivoluzione e soprattutto in due, in due. Fuori l’edera soffoca il muro è l’estate che si vendica. Due colpi di tamburo due euro di prevendita. Uscire dalla porta, voi dopo cosa fate paura di camminare come i cani sulle grate. Andare ai concetti capire i concerti. Laurearsi in problemi e regalare i confetti. Questo è il lavoro del cantante come nel circo i trapezzisti. Anagrammo: trastipezzi C’è la mia vita scritta nei dischi.
I Coma_cose in qualche modo ricordano anche i Baustelle nella loro maniera personalissima di raccontare emozioni, vibrazioni e disagi interiori, il risultato non è mai scontato. Esattamente come possiamo constatare anche nel brano “San Sebastiano”: La critica sociale, la politica, la povertà, il disagio umano. Vorrei approfondire ma penso che il mio vero nemico sono io quando ho un telefono in mano. Oppure in “Mariachidi”: La solitudine costa fatica mi salvi sul telefono e mai nella vita”. Infine un ultima tappa di questo viaggio metropolitano è “Squali”: Noi che al massimo arriviamo al fine settimana Infondo siamo pescecani. E anche se a Milano non c’è il mare Noi restiamo squali. Una fotografia splatter di un momento storico buio, che effettivamente ci fa paura e dal quale in qualche modo proviamo a difenderci facendo capo ai più reconditi caposaldi della nostra anima imbruttita.

Raffaella Sbrescia

Il tour
30.03 Padova, Hall
01.04 Firenze, Tuscany Hall (ex-Obihall)
02.04 Milano, Alcatraz
05.04 Nonantola (Mo), Vox
07.04 Senigallia (An), Mamamia
08.04 Torino, Teatro Della Concordia
12.04 Napoli, Casa Della Musica
13.04 Modugno (Ba), Demodè Club
15.04 Roma, Atlantico

Viva da Morire: la recensione del nuovo album di Paola Turci

Paola Turci_Viva da morire

Paola Turci_Viva da morire

Paola Turci ci aveva riconquistato nel 2017 con “Il secondo cuore” e la straripante energia di un incontenibile ritorno in scena. Ritroviamo oggi la cantautrice romana con “Viva da morire”, un album che gioca sull’effetto sorpresa, che lascia gli anfratti solitari per abbracciare la collettività. Un progetto arrivato in maniera inaspettata, mai davvero cercata, un provocatorio gioco al depistaggio in cui il tocco di Luca Chiaravalli svolge ancora una volta un ruolo chiave in fase produttiva. “Viva da morire” è per Paola Turci più un album da interprete in verità. Solo due delle dieci canzoni contenute nel disco portano infatti la sua firma. Tra gli autor ritroviamo Giulia Ananìa e Davide Simonetta, Andrea Bonomo, Fabio Ilacqua, Nek.

 Diversi sono i fotogrammi con cui Paola Turci sceglie di mostrarsi più libera che mai: adolescenza, infanzia, rinascite, cadute, contraccolpi si susseguono tra uptempo e ballads chiaroscure che si susseguono a piè sospinto e non senza sorprese. A tal proposito, curiosa la scelta di Paola Turci di confrontarsi con il giovane rapper Vito Shade, tra l’altro autore del brano “Le olimpiadi tutti i giorni”. Affascinante il piglio blues, forse più vicino all’animo della cantautrice, del brano “Prima di saltare”. Paola non ha paura di trasformarsi, di mettere in circolo l’emotività più recondita, di mettere a nudo incertezze insieme quelle uniche poche consapevolezze di cui provare a fare tesoro. “Io questa vita voglio morderla finché non mi mangia”, canta Turci nella titletrack “Viva da morire”. Un equilibrio sempre sul filo del rasoio, quasi una vertigine in sospensione tra il brivido di non conoscere il domani e la certezza di viverlo in ogni caso al massimo. “L’ultimo ostacolo”, il brano che Paola Turci ha portato al Festival di Sanremo, viaggia su una tonalità forse troppo alta per Paola ma è proprio questa sfida interpretativa a fornire il là al contrappasso che invece chiude in modo perfetto il disco: la riprova tangibile è, difatti, “Piccola”: un perla che, anche in versione acustica, ci restituisce la più pura intensità narrativa di Paola Turci e tanto basta per farci dire che quando l’artista individua un brano che la illumina e la fa commuovere, ecco che l’incantesimo si rinnova e colpisce dritto al cuore.

Raffaella Sbrescia

Video: L’ultimo ostacolo – acoustic version feat. Beppe Fiorello

Next Posts