Album | Ritratti di Note

Ironia, autenticità, poesia. Dario Brunori presenta “L’albero delle noci” e debutta a Sanremo. Intervista

11 gennaio 2025 • Interviste • by Raffaella_Sbrescia

Dario Brunori presenta il nuovo album “L’albero delle noci”, in uscita il 14 febbraio per Island Records.

Il disco si compone di dieci tracce e prende il nome dal brano che Brunori ha scelto di presentare al 75esimo Festival di Sanremo. Questo lavoro segna il ritorno dell’artista a cinque anni di distanza da Cip!: il suo ultimo lavoro discografico, certificato Disco di Platino.

“L’albero delle noci” affonda le sue radici in una dimensione intima e riflessiva. A dare una direzione inedita nel percorso musicale brunoriano, il nuovo sodalizio artistico con Riccardo Sinigallia, che ha prodotto l’intero disco al fianco di Dario. Partendo da La vita com’è, brano che ha impreziosito la colonna sonora del film Il più bel secolo della mia vita (2023), passando dai singoli La ghigliottina e Il morso di Tyson pubblicati negli ultimi mesi.

Il titolo dell’album, così come della title track in gara a Sanremo 2025, germoglia dall’immagine di un albero di noce emblematico nella vita di Dario Brunori, punto di osservazione privilegiato e d’ispirazione per celebrare la gioia e la rivoluzione che una nuova vita porta con sé, suggerendo come ogni nascita sia al tempo stesso una rinascita.

“Questo disco arriva dopo due anni di lavoro intenso, due anni di sottrazioni, in cui ho cercato di sfrondare i rami secchi o comunque tutto ciò che è superfluo. Riccardo Sinigallia ha curato la direzione artistica del disco ma non si è trattato solo di questo, lui non è solo un grande produttore ,ma è anche un grande autore e cantautore, che con la sua esperienza mi ha accompagnato in questi anni.

Brunori PH. TONI THORIMBERT

L’album precedente Cip! si muoveva a metà strada tra cielo e terra. Da quel disco in poi ci sono stati tanti eventi, subito dopo c’è stato il Covid e con sé un momento di riflessione che mi ha portato a rivedere e ripensare il mio quotidiano in maniera più specifica e diretta. Da quel momento, con la decisione di metter su famiglia, è arrivata la nascita di mia figlia Fiammetta e ho aperto una azienda agricola in Calabria in cui io e Riccardo abbiamo scritto il disco. Si tratta di un luogo molto importante in quanto avevamo bisogno non solo di un contesto intimo, ma anche che restassimo ben piantati con i piedi per terra. Abbiamo fatto lunghissime chiacchierate, prima di partire con la scrittura, Riccardo ha voluto fare un momento di conoscenza; non si è trattato di un processo semplice, d’altronde mi aveva avvisato che sarebbe stato faticoso. “L’albero delle noci” è permeato da questa rivoluzione, da questa gioia ma anche da una sensazione di inquietudine, ho cercato di raccontare luci e ombre che stanno dietro questa esperienza. Arrivato al sesto disco, in una fase felice della mia vita, avevo timore che la scrittura potesse togliermi quella felicità, temevo di mettere la polvere sotto al tappeto, invece Riccardo mi ha spinto a tirare tutto fuori, mi ha spronato ad agire con coraggio, cercavamo entrambi di andare verso l’urgenza di scrivere qualcosa che riguardasse gente della nostra età con l’auspicio che il disco potesse essere più trasversale. Abbiamo fatto tanti esperimenti in termini di arrangiamenti, abbiamo toccato anche l’elettronica, siamo passati attraverso il mio trip africano, poi alcune cose sono entrate nel disco perché, pur essendo fuori dalla mia comfort zone, in qualche modo si trattava di un vestito che mi stava bene. Anche da un punto di vista grafico abbiamo scelto l’autenticità attraverso il lavoro di Robert Figlia e i suoi disegni a carboncino. L’albero delle noci è quello di fronte a casa mia a San Fili. Abbiamo scelto di ridurre al minimo l’uso della tecnologia, evitando l’uso di trucchi e parrucchi. Per alcuni brani abbiamo scelto di inserire nel disco le registrazioni fatte con il mio cellulare includendo anche dei miei errori irrepetibili e, per questo unici, con l’intento di rappresentare attimi essenziali nell’esistenza di un uomo. Riccardo mi ha tolto di dosso il solito intento di raggiungere il lieto fine con una morale finale, mi ha scardinato la tendenza a seguire un discorso lineare, mi ha guidato verso un approccio mirato alla ricerca delle sporcature, non c’è stata la tentazione di sistemare e pulire tutto. Visto che Riccardo è anche regista, mi ha spinto a premiare la scrittura per immagini, mi ha fatto da specchio, lui diceva “qui te credo, qui nun te credo”, questo è in genere il discrimine totale per tutto quello di cui noi fruiamo per cui non ci ho pensato più di tanto e mi sono buttato, con l’intento di arrivare subito all’ascoltatore ma soprattutto a me stesso.

brunori

Nel disco parlo della mia vita negli ultimi anni, da sempre cerco, se possibile, le luci e le ombre di certe situazioni all’insegna dell’autenticità. Anche il pezzo di Sanremo sotto questo aspetto cerca di raccontare cose mie sperando di parlare di cose degli altri. In linea di massima comunque sono contento che sia giusto e necessario affrontare l’abitare e il guardare in faccia le cose di se stesso che danno fastidio o che disturbano. A tutti piace mostrare la faccia bella ma sarebbe interessante riuscire a fare in modo di aprire dibattiti e confronti, tante volte necessari, anche per comprendere a fondo un problema e affrontarlo. Per la prima volta nel disco canto in dialetto cosentino. Serviva un qualcosa di peculiare e questo brano si rifà a una canzone di Pino Daniele “Cammina cammina”; la musicalità è vicina a quella partenopea, l’ho scritta nel periodo del Covid e racconta il punto di vista di un anziano di paese che si ritrova da solo. Si tratta di un brano commovente che, come altri, fa una leva importante sull’emotività. In linea generale sono innamorato di Pino Daniele, Massimo Troisi, Eduardo De Filippo e nutro un grande amore per la napoletanità da cui mi sento influenzato nel modo teatrale con cui gestisco il mio parlare.

Nei live che verranno, cercheremo il più possibile di suonare tutto. Sul palco ci saranno esseri umani che dialogano, che suonano, che si trasmettono un certo tipo di energia e che impazziscono a un certo punto. Faremo un live alla vecchia maniera, non faremo come quelli che oggi usano riprodurre pari pari il disco, i nostri concerti saranno sempre diversi e, dopo i palazzetti, ci sarà il grande appuntamento del 18 giugno al Circo Massimo di Roma in cui, finalmente, ci sarà l’orchestra.

Durante il Festival di Sanremo rimarrò fedele alla mia attitudine, l’ironia non è sempre capita ma forse questo rafforza il desiderio di continuare a farla.

La partecipazione al Festival di Sanremo credo che arrivi nel momento giusto. Dopo aver lavorato tanto per due anni volevo dare al disco dei riflettori importanti. Mi sento anche più leggero rispetto a quello che mi ha frenato in passato, ora sono più tranquillo, ci ho riflettuto e sono consapevole che del fatto che ci saranno persone che finora non mi hanno mai intercettato. Certo, stavo bello comodo anche senza festival, al sicuro con il mio pubblico ma questa cosa mi fa tornare a essere debuttante e sono pronto a vivermela. Il brano in gara a Sanremo l’ho scritto da solo, per intero, la notte del sabato di Pasqua. Volevo mettere insieme tutta una serie di cose legate al tempo, le stagioni, le inquietudini, il non sentirsi adeguato o all’altezza di essere un genitore. Infine se mi chiedete per chi faccio il tifo tra i miei colleghi, vi rispondo: Lucio Corsi, una delle penne più belle, un cantautore di razza, un folletto, una creatura di un altro tempo e forse di un altro mondo. Sarei felice se arrivasse ad un pubblico più ampio perché vorrebbe significare che c’è ancora speranza per la poesia”.

Raffaella Sbrescia

Free Love: i Negramaro raccontano il nuovo album che soffia su un vento di libertà

21 novembre 2024 • Interviste • by Raffaella_Sbrescia

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I Negramaro pubblicano il nono album “Free Love” e ancora si emozionano come la prima volta.

In questa occasione sono dodici le tracce che compongono il disco con tanti duetti che sono figli di amicizie di lunga data e di stampo fraterno. Tra tutti segnaliamo i duetti con Niccolò Fabi, Fabri Fibra, Malika Ayane, JJ Julius Son e quella con Aiello, frutto di una sintonia nata dietro le quinte del Festival di Sanremo del 2021.

Il disco è stato registrato a Berlino negli Hansa Studios ma le musiche e i testi sono di Giuliano Sangiorgi la cui produzione artistica si è avvalsa della collaborazione di diversi decani del settore come Taketo Gohara, Andro, d. whale (Davide Simonetta). Il file rouge che accompagna il lavoro trova efficace espressione nella cover del disco in cui è riprodotta l’opera originale “Narciso” di Jago in cui vengono rappresentati l’uomo riflesso in una donna e il suo contrario. L’intento è quello di rispecchiare la simmetria dei sentimenti narrati dai Negramaro che, partendo da racconti personali, rivendicano la libertà di amare sé stessi e gli altri senza pregiudizi ma anche senza possesso o prevaricazione della libertà altrui.

“Questo disco è il frutto di una consapevolezza acquisita dopo anni e anni di lavoro nella band”, spiega Giuliano Sangiorgi alla stampa. “C’è stata veramente una grande evoluzione, siamo noi all’ennesima potenza, ci ritroviamo in tanti artisti giovani, ritroviamo tante analogie di cose fatte all’interno della band. Essere liberi è determinante ma è una libertà che stiamo imparando ad avere. Siamo sempre stati liberi ma in una civiltà la libertà si impara, non è fare quello che vuoi e basta, si tratta di imparare a fare quello che vuoi rispettando gli altri; è un’ossessione bellissima quella di voler essere liberi, quell’ossessione che abbiamo dentro non è mai negativa, ti spinge a fare le cose migliori, significa voler mostrare l’animale migliore di sé, è un disco quindi che impara ad essere più libero e senza la parola però accostabile accanto.

Anche i feat. rispettano la libertà con cui sono arrivati, con ognuno di essi è stato così. Impariamo anche dagli errori, senza rimanere nel pregiudizio.

negramaro

Amore è tutto quello che sta dentro l’essenza dell’umanità stessa, noi crediamo che ci sia amore in ogni manifestazione di vita, nell’arte soprattutto. Stiamo cercando di non smussare più gli angoli ma di incastrarci in essi, facendone la nostra grandezza; sono passati 24 anni ed è stupendo essere qui a raccontare di dischi, concerti, stadi e palasport. Ci siamo quindi concessi di amarci per come siamo stati in questi anni e per come saremo nel futuro.

Produrre un disco con più produttori ci esponeva al rischio di avere diversi suoni invece questa cosa non si è verificata. Questa volta, racconta Giuliano, ho preso in mano un po’ il lavoro, non voglio fare il producer, ma tutto ciò che sentite ha molti provini che si mantengono fedelissimi all’originale. Per me la prima cosa che faccio è sempre quella sbagliata, in realtà quello che arriva e traspare dal suono dell’album è l’istinto, salvato dai produttori. Questo disco aveva quindi già la chiave corretta, sono stati bravi i produttori intorno a tenere viva quella cosa che io di base avrei trasformato, questo ci ha consentito di andare dritti in studio e fissare la magia. Il tempo è stato stato fondamentale, eravamo a Berlino a marzo -aprile ed eravamo già pronti con il disco, abbiamo però chiamato da Berlino Filippo Sugar, chiedendogli di uscire con il disco nel momento in cui eravamo pronti a incontrare le persone, era un nostro desiderio che ci ha spinto a programmare l’uscita in questo periodo in cui eravamo liberi per farlo. Non è solo questione di tempo che passa ma di rispetto per gli altri; i nostri dischi non hanno mai avuto una data di scadenza.

Quello dei tre minuti è rimasto un claim perfetto della mia vita, io rimango sempre affezionato a quelle canzoni che arrivano in meno di tre minuti, sono tagli sulla tela, sono quelle cose che restano appiccicate anche alla band altrimenti non ce la farebbero. Mi fido solo quando una canzone arriva e strazia il sereno, è una gioia quando una canzone racconta di qualcosa di felice, in qualche modo una canzone è sempre un errore del sistema, è un momento della quotidianità in cui si apre un varco spazio-temporale in cui essere totalmente libero. Vorrei essere sempre in grado di trovarmi pronto per quei tre minuti, è sempre quello l’approccio e quando succede ti senti in pace con te stesso, senti di nuovo quell’animale che ti porti dentro.

I dischi, in generale, sono delle occasioni, a partire da un emergente fino a un artista navigatissimo. Aldilà del nostro percorso, si sta perdendo il concetto di occasione per comunicare, lanciare dei messaggi. Ogni album per noi è stata una foto del periodo che abbiamo vissuto, l’aspettativa è quella di continuare a vivere di musica ma rimanendo slegati da vendite e streaming. Che siano passati 24 anni insieme, va già oltre ogni aspettativa. Ecco perché Free Love soffia su questo vento di libertà senza preoccuparci e senza voler sapere fin dove ci spingerà. Free love, do you feel the same?”

Raffaella Sbrescia

Videointervista con Alfa in gara al Festival di Sanremo con il brano “Vai”

6 febbraio 2024 • Interviste • by Raffaella_Sbrescia

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ALFA, cantautore genovese classe 2000 e artista multiplatino, parteciperà per la prima volta al Festival di Sanremo, in gara con il brano “Vai!”.

Esponente della Generazione Z, ALFA si presenta come un ragazzo semplice, normale, con le stesse paranoie e ansie dei suoi coetanei. In un mondo in cui apparire è così importante e i valori di oggi riguardano l’autodeterminazione del singolo, il giovane cantautore mette invece l’amore al centro delle sue canzoni perché, per lui, l’essere romantici è la vera rivoluzione.

Dopo un 2023 travolgente in cui ha scalato le classifiche e ha fatto due tour sold out, la partecipazione al Festival di Sanremo rappresenta, per ALFA, la realizzazione del sogno di un artista che considera la musica il suo migliore amico, che gli ha permesso di superare le sue paure e di spiccare il volo.

alfa due
Il testo di “Vai!” è stato scritto da ALFA e la musica composta dallo stesso ALFA con la collaborazione dei produttori statunitensi Ian Scott e Mark Jackson. Il brano uscirà nelle radio e su tutte le piattaforme digitali subito dopo l’esibizione sul palco dell’Ariston e sarà contenuto nel nuovo disco che si intitolerà “NON SO CHI HA CREATO IL MONDO MA SO CHE ERA INNAMORATO” e verrà pubblicato da Artist First il 16 febbraio sulle piattaforme digitali e il 23 febbraio in formato picture disc.
Dopo la partecipazione al Festival di Sanremo, ALFA terrà il suo primo tour nei palazzetti che prenderà il via dal Milano Mediolanum Forum, e toccherà successivamente le città di Padova, Torino, Napoli, Bari e Firenze.

https://www.youtube.com/watch?si=5UgN8ETRvmXazlF0&v=wDrA-Sm-AaQ&feature=youtu.be

Santi Francesi al Festival di Sanremo 2024: “L’amore in bocca racchiude momenti e suggestioni senza mai svelarsi del tutto”.

4 febbraio 2024 • Interviste • by Raffaella_Sbrescia

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Alessandro De Santis e Mario Francese, in arte Santi Francesi, portano la loro arte al Festival di Sanremo 2024 con il brano “L’amore in bocca”, dopo aver conquistato l’accesso alla gara grazie alla partecipazione alla fine di Sanremo Giovani con il brano “Occhi tristi”. Il duo è avvezzo alla performance televisiva eppure ciò che rende affascinante la loro essenza artistica è quell’insito elemento di imprevedibilità e mistero che avvolge e caratterizza i loro testi. Anche in questo caso il brano “L’amore in bocca racchiude una raccolta di diapositive, momenti e suggestioni senza meta o direzione precisa:

“Sanremo è capitato per caso – spiegano i due – Era la terza volta che tentavamo Sanremo Giovani e a questo giro è andata bene. Abbiamo voglia di lanciare degli ami e scoprire chi avrà la voglia e il piacere di abboccare e seguirci. “L’amore in bocca” sarebbe dovuto essere “amaro”, ma è diventato, grazie al correttore dell’iphone mentre stavo scrivendo una nota sul cellulare, un errore fatalista che abbiamo considerato come un’ispirazione fondamentale da cui è nata la canzone. In realtà abbiamo tenuto questa espressione sepolta per qualche mese nel telefono per poi tirarla fuori in una sessione con Cecilia Del Bono con cui abbiamo scritto la versione finale del pezzo: stavamo facendo colazione prima di andare in studio e ci siamo semplicemente detti di seguire il flusso di quello che sarebbe successo. Il brano racconta momenti delle nostre rispettive vite private, senza lasciarci andare a troppe spiegazioni, ed è perciò che la natura di questa canzone rimane nascosta perfino a noi stessi. Alla fine, per riassumere, si tratta di una canzone costituita da tutte immagini che ruotano attorno al titolo. È affascinante il non sapere, il non esserci mai detti cosa intendessimo davvero, a chi stessimo indirizzando quelle parole. Il pezzo parte come una ballad per poi evolversi con l’ingresso dell’elettronica raggiungendo quel solito mix che noi amiamo definire con l’immagine del “piangere ballando”. In genere tendiamo ad avere sempre un approccio deduttivo quando componiamo, spesso mentre stiamo provando un giro di chitarra o una produzione, succede che io (Ale) mi avvicini al microfono e dica parole a caso che molto spesso finiscono poi nella versione definitiva della canzone. Quindi, in un certo senso, musica e parole nascono insieme”.

Santi-Francesi ph Mattia Guolo

A dirigere l’orchestra sarà Daniel Bestonzo, non nuovo al palco del Teatro Ariston dove ha diretto negli anni scorsi Levante, Gianmaria, Willie Peyote. Sul palco del Teatro sanremese i Santi Francesi indosseranno abiti firmati Dolce&Gabbana.

Durante la serata delle cover, i Santi Francesi proporranno una versione inedita del brano “Hallelujah” di Leonard Cohen insieme alla performer internazionale Skin: “Questo brano è un capolavoro che nel tempo ha conosciuto molte versioni sempre fedeli all’originale. Noi avevamo il desiderio di realizzarne una diversa, più struggente. Quando si tratta di cover, noi ci divertiamo come dei pazzi a prendere le canzoni, a ribaltarle e a rifarle nostre. Circa un mese prima di Sanremo Giovani, pur non essendo sicuri di passare, abbiamo cominciato a pensarci e a portarci avanti. Hallelujah è una canzone che non si può cantare, allo stesso modo di Creep (una delle cover meglio riusciute di quelle portate a X Factor 16), ma noi ci proviamo. Vorremmo trasmettere delle vibrazioni diverse dall’originale, perché in fondo Hallelujah è un pezzo pieno di contraddizioni: spesso viene accostata a Dio e costantemente chiesta ai matrimoni, quando invece parla di tutt’altro. Ci piace l’idea di portare su quel palco una canzone il cui testo, negli anni, ha spesso assunto significati lontani dall’originale provando a riconsegnare a quelle parole la loro vera essenza. Skin era l’artista perfetta per l’idea di reinterpretazione che avevamo di questo brano. Quando le abbiamo chiesto di affiancarci in questa follia non ci saremmo mai aspettati un riscontro positivo, perciò per noi è un grande onore essere accompagnati da una delle voci più significative per la nostra generazione. Chiaramente all’inizio si è mostrata decisamente scettica rispetto alla scelta del brano e ci ha detto di no: “Non ho voglia di suonarlo per la trecentesima volta”, ha detto. La soddisfazione più grande è stata quando poi si è ricreduta dopo aver sentito la nostra versione. Ci ha detto che era la prima volta che sentiva una versione di Hallelujah diversa dalle altre. È stato un complimento incredibile. Dopo il Festival, ci sarà nuova musica, ma non è chiaro ancora se sarà un album o un EP, e un tour”.

Conferenza stampa Festival di Sanremo

Mahmood in gara al Festival di Sanremo 2024 con il brano “Tuta Gold”: “Tra presente e passato, ecco la mia maturità emotiva”

2 febbraio 2024 • Interviste • by Raffaella_Sbrescia

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Mahmood sarà in gara al Festival di Sanremo 2024 con il brano “Tuta Gold”. Scritto e composto dallo stesso Mahmood con Jacopo Angelo Ettorre e prodotto da Madfingerz e Katoo, il pezzo arriva dopo diversi successi uno in fila all’altro: “Gioventù Bruciata” a Sanremo Giovani, “Soldi” e “Brividi” in duetto con Blanco tra i big.

“Sono sempre felice di partecipare al Festival di Sanremo”, spiega Mahmood alla stampa. “Credo fortemente che questo sia il miglior palco possibile per fare conoscere questo brano. Il testo fa riferimento a un viaggio tra presente e passato, nato dopo un rave di quattro giorni nei dintorni di Berlino. Ho lasciato riemergere i ricordi di una relazione e, altre sfaccettature correlate, che mi hanno aiutato a superare alcuni momenti infelici della mia vita facendomi sentire emotivamente più forte. Il tema è molto urban con ritmiche brasiliane del baile funk; anche il clubbing avrà una parte fondamentale all’interno di un’ambientazione molto street.

Questo tipo di atmosfera sarà presente anche nel mio terzo disco “Nei letti degli altri”, in uscita il 16 febbraio, dopo “Gioventù bruciata” e “Ghettolimpo”, Questo lavoro intende racchiudere la mia maturazione emotiva mettendo in risalto la mia vita adulta; trovo finalmente il coraggio di parlare di mio padre, la sensazioni legato al ritornare a vivere da mia madre dopo l’incendio della mia casa in affitto a Milano, lascio che il mio immaginario faccia da filtro anche a scene di vita altrui e questo file rouge ricorre anche sulla copertina dell’album in versione post-umana grazie alla creatività di Fredrick Heyman, magistrale nel porre in rilievo alcune mie grandi passioni come la cultura giapponese fatta di anime, manga e robot.

COVER ALBUM_NEI LETTI DEGLI ALTRI credits Frederik Heyman

Il disco è molto introspettivo, nella scrittura parlo anche di come ho vissuto le persone che ho conosciuto negli ultimi anni. Tra i duetti cito quelli con Tedua e Chiello in “Paradiso”) e quello con la cantante belga Angele. Tra i produttori ci sono Michelangelo, Drast, Golden Years mentre tra gli autori, insieme a me, c’è Davide Petrella.

Per tornare a Sanremo, nella serata dei duetti porterò il brano “Come è profondo il mare” di Lucio Dalla e sarò accompagnato dai Tenores di Bitti Remunnu ‘e Locu. Per me è una canzone tra le più belle di sempre, inoltre, dato che nell’album Ghettolimpo c’era “Icaro è Libero”, mi piaceva l’idea di proseguire sul filone della libertà perché il mare è qualcosa che non puoi arginare in alcun modo. I Tenores di Bitti, sono un gruppo corale sardo di canto a tenore e rappresentano le mie origini con un chiaro riferimento alla terra nativa di mia madre.

Per quanto riguarda i live, ad aprile e maggio mi esibirò nei principali club di 10 Paesi europei con un finale che prevede due tappe al Fabrique di Milano, il 17 e 18 maggio 2024 mentre il tour estivo debutterà a Bologna, al Sequoie Music festival, il 19 luglio”.

CALENDARIO “SUMMER TOUR 2024”
in aggiornamento

19 luglio 2024 – Bologna – Sequoie Music Festival – Parco Caserme Rosse

20 luglio 2024 – Cervere (CN) – Anima Festival – Anfiteatro dell’Anima

12 agosto 2024 – Lignano Sabbiadoro (UD) – Sunset Festival – Arena Alpe Adria

14 agosto 2024 – Forte dei Marmi (LU) – Bertelli Live – Villa Bertelli

18 agosto 2024 – Gallipoli (LE) – Oversound Music Festival – Parco Gondar/Pineta

20 agosto 2024 – Catania – Sotto il Vulcano Fest – Villa Bellini

21 agosto 2024 – Palermo – Teatro di Verdura

23 agosto 2024 – Roccella Jonica (RC) – Roccella Summer Festival – Teatro al Castello

CALENDARIO “EUROPEAN TOUR”

4 aprile 2024 – Rockhal, Lussemburgo (Lussemburgo)

7 aprile 2024 – Kentish Town Forum, Londra (UK)

8 aprile 2024 – Olympia, Parigi (Francia)

10 aprile 2024 – Komplex 457, Zurigo (Svizzera)

12 aprile 2024 – Thonex Live, Ginevra (Svizzera)

13 aprile 2024 – Live Music Hall, Colonia (Germania)

15 aprile 2024 – Paradiso, Amsterdam (Paesi Bassi)

16 aprile 2024 – Cirque Royal, Bruxelles (Belgio)

18 aprile 2024 – Im Wizemann, Stoccarda (Germania)

21 aprile 2024 – Huxleys Neue Welt, Berlino (Germania)

22 aprile 2024 – Stodola, Varsavia (Polonia)

8 maggio 2024 – Riviera, Madrid (Spagna)

9 maggio 2024 – Razzmatazz, Barcellona (Spagna)

11 maggio 2024 – Sala Mamba, Murcia (Spagna)

12 maggio 2024 – Pazo de la Cultura, Pontevedra (Spagna)
17 maggio 2024 – Fabrique, Milano (Italia) sold out

18 maggio 2024 – Fabrique, Milano (Italia)

Clara in gara al Festival di Sanremo con “Diamanti grezzi”: “Vi racconto il mio anno d’oro tra Mare Fuori, Sanremo, il primo album e il tour”

1 febbraio 2024 • Interviste • by Raffaella_Sbrescia

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Clara Soccini, in arte CLARA, vincitrice di Sanremo Giovani 2023 con il brano “Boulevard”, salirà sul palco del Teatro Ariston tra gli artisti in gara alla 74° edizione del Festival di Sanremo con l’inedito “Diamanti Grezzi”, scritto insieme ad Alessandro La Cava e Francesco “Katoo” Catitti, che ha curato anche la produzione. Il brano racconta il tema della ri-scoperta continua e quotidiana di se stessi. Ciascuno, infatti, colleziona nel tempo esperienze di vita e relazioni che definiscono la propria identità̀ e che allo stesso tempo la mettono in discussione, dando l’opportunità̀ di scoprire sempre nuove cose di sé, come “mille pezzi di una storia sola”.

“Questa è l’incoronazione di un anno straordinario e di grande cambiamento”, racconta Clara alla stampa. “Sono nata in paesino in provincia di Varese, la mia passione per la musica nasce grazie a mio nonno, ero una bimba molto irrequieta, tante volte il mio insegnante di pianoforte chiamava mia mamma dicendo: “Clara è sparita ed è scappata”, alla fine delle elementari chiesi a mio nonno di poter studiare canto; quella è stata la conferma della mia passione. La mia prima insegnate Beatrice Binda, mi ha insegnato tanto e mi ha fatto capire che quello che volevo fare era cantare. All’inizio non sapevo da che parte iniziare, misi via dei soldi per trasferirmi a Milano, ho iniziato quindi a lavorare come modella, non è stato subito facile, è stato come in un film. Un fotografo, durante un set fotografico, mi fece cantare una canzone e la pubblicai su Instagram; a quel punto decisi di lasciare il lavoro per concentrarmi sulla musica. La quarantena per me ha segnato un cambiamento, sono tornata a vivere da mia mamma, ho raccolto quel che avevo scritto fino a quel momento e mi sono fatta fare dei video da mio fratello per pubblicarli su Instagram. Da lì le cose non andarono come volevo, avevo una grande ansia di responsabilità economica verso me stessa ma avevo anche un grande sogno e da sempre ambivo alla perfezione in tutto. Secondo me è una cosa che sbagliamo in tanti, meglio buttarsi piuttosto che ambire alla perfezione nella musica, nell’arte, nel canto, nella bellezza. In quel periodo sono crollata completamente, ho avuto due anni molto difficili in cui mi scappava via la voglia di uscire di casa, stavo per gettare la spugna, poi è entrata nella mia vita Coco il mio cane, da lì a poco ho ricevuto un messaggio di Ivan Silvestrini, tra i miei pochi ascoltatori di Spotify, che mi propose non solo di prendere il ruolo di Crazy J, una trapper milanese cinica e disillusa nella serie “Mare fuori” ma anche di scrivere due canzoni. Lì sono entrata in tilt, mi sono fatta cento domande, non mi sentivo all’altezza ma alla fine mi sono buttata e menomale che l’ho fatto! Da quel momento la mia vita si è stravolta: ho avuto la dimostrazione che quando ti butti, è quello il momento che spacchi con te stesso, perché respiri, apprezzi ogni piccola cosa, le persone hanno cominciato ad ascoltarmi, ho partecipato a Sanremo giovani. L’emozione più grande di questo anno stravolgente, è stata non solo vincerlo, ma anche mandare una candidatura ed essere presa per partecipare; quando hanno annunciato che ho vinto, ho visto bianco, è stato un cambiamento dopo l’altro.

Per “Mare fuori” non avevo particolari aspettative ma la cosa che mi rendeva più felice era che dovevo scrivere due canzoni, sapevo di poter non piacere, invece è andata benissimo. Ho avuto la fortuna che le persone mi riconoscessero come Clara e non solo come Crazy J. Di lei porterò la cazzimma sul palco di Sanremo ma per il resto siamo molto diverse, non sono così cattiva (ride ndr).

“Diamanti grezzi”, la canzone che porto in gara a Sanremo, è una canzone a cui tengo molto, in questo caso, quando sono entrata in studio sono subito partita dal titolo, avevo la necessità di raccontare quello che ho capito quest’anno crescendo: è sbagliato lottare per arrivare alla perfezione, piuttosto meglio essere un diamante grezzo alla continua riscoperta di se stessi con tutte le fragilità che ci accomunano. Quando ho scritto questo brano avevo la necessità di raccontare quello che scopro crescendo per questo ci sono frasi in cui mi rivedo molto; sicuramente è un brano che parla di me.

Per la serata delle cover ho deciso di invitare Ivana Spagna, un’artista a cui sono legata proprio per la canzone “Il Cerchio della vita” in quanto mi ricorda la me dell’infanzia. La cosa bella dell’arte è che matura con noi: da piccola cantavo la canzone senza capirne il vero significato, la musica è maturata con me, porto anche Il coro di voci bianche del teatro regio di Torino perché rappresenta la seconda faccia della stessa medaglia. Ivana Spagna rappresenta un artista a cui ambisco, il coro ricorda la me più piccola e “Il cerchio della vita rimanda molto all’infanzia”. Ivana è stupenda, un’artista di grande umiltà, sono rimasta esterrefatta durante le prove, ha avuto una carriera gigante ma è rimasta semplice e diretta, mi ha dato tantissimi consigli e sono felicissima. Il consiglio più bello che mi ha dato è stata una cosa molto vera: la costruzione di una carriere non si basa su un singolo che è andato bene, una carriera si basa su un lavoro certosino pensato al lungo termine. Questo è l’inizio di un percorso e, sentire un’ artista come lei dirmi questo, mi ha confortato in quanto la pensa anche lei come me.

CLARA_PRIMO_COVER

Il 16 febbraio uscirà il primo album “Primo” e fino all’ultimo ho voluto assicurarmi di meritarmelo. C’è tempo per tutto e, dopo questo anno speciale, forse è arrivato il momento di condividere molta più musica. Sono molto felice, questo album farà sia ballare che piangere, dentro c’è tutto. Sono una persona metereopatica, rido, piango, sono lunatica. Ringrazio tutte le persone che hanno lavorato con me per realizzarlo, quando l’ho visto mi sono commossa; per me è un grande scalino fatto. “Aquiloni” è la mia prima traccia da interprete: due anni fa ha conosciuto Leo Einaudi, un autore e pianista straordinario che mi ha visto nel mio momento triste, conosce molto di me, sa che ho sempre fatto molta fatica ad avere fiducia nell’altro in quanto non sempre le persone che credevo amiche, si sono mostrate poi tali. Questa canzone è una lettera a un amico che non è più al mio fianco. “Storie di rose appassite” è stata scritta con Alessandro La Cava, con cui ho scritto anche “Diamanti grezzi”. Alessandro è un mio carissimo amico, una persona eclettica, si sa adattare, capisce molto dell’altro, l’ho scritta come se fosse un colloquio con me stessa allo specchio. Un’altra traccia s’intitola “Ragazzi fuori” ed è la colonna sonora di “Mare fuori 4”, si tratta di una testo generazionale, una canzone importante, una ballad scritta sempre con Alessandro La Cava, di cui sono molto fiera.

Per quanto riguarda il tour, anche questo è un sogno che si realizza. Non so cosa aspettarmi di preciso ma sicuramente mi divertirò. Punto a godermi ogni momento, spesso sbaglio ad andare di fretta ma spero di riuscire finalmente a fermarmi ad apprezzare ogni singolo passo. Niente è da dare per scontato, a maggior ragione, questo concetto è quanto mai vero se parliamo di musica.

Raffaella Sbrescia

CALENDARIO CLARA LIVE 2024

Domenica 17 marzo 2024 – Padova @ Hall

Mercoledì 20 marzo 2024 – Firenze @ Viper Theatre

Giovedì 21 marzo 2024 – Roma @ Largo Venue

Venerdì 22 marzo 2024 – Bardi @ Demodè Club

Domenica 24 marzo 2024 – Napoli @ Duel Club

Martedì 26 marzo – Milano @ Magazzini Generali

“Tu no”: Irama in gara al Festival di Sanremo con un brano intenso e profondo. In arrivo anche un nuovo album e il tour nei palazzetti.

28 gennaio 2024 • Interviste • by Raffaella_Sbrescia

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Irama è in gara al 74° Festival di Sanremo con il brano “Tu no” (Warner Music Italy), un brano profondo, che racconta il senso di mancanza e quello della distanza nel significato più ampio del termine, mettendo in evidenza le doti canore e interpretative del cantautore. Il brano è firmato da Irama con la collaborazione dei musicisti Giulio Nenna, Giuseppe Colonnelli, Francesco Monti, Emanuele Mattozzi e prodotta da Giulio Nenna e anticipa il nuovo album di prossima uscita segnando una ennesima evoluzione musicale di un artista versatile, sempre pronto al cambiamento.

“Tu no” è un brano diretto, che sputa in faccia la verità trattando temi profondi come la mancanza e la distanza. Arrivo da una ballad e torno con un’altra ballad ma a livello musicale la dinamica ha un flusso diverso. Quando ho la possibilità di partecipare al Festival di Sanremo presento sempre una canzone a cui tengo e che mi ispira; appena ho finito di scriverla, ho pensato che potesse essere raccontata su quel palco. Questa è anche la prima canzone che ho realizzato durante il nuovo anno, è stato un inizio in tutti i sensi per me e rappresenta una buona parte di quelle che saranno le sonorità soul e country contenute nel nuovo disco in cui sto cercando di mantenere un’organica di suono senza mai togliere spazio alle parole e a ciò che dico.

In generale ci sono mille modi di fare musica e raccontarla, si puo’ partire da qualcosa che si è sentito e si è visto; qui racconto molto di me a livello personale senza girarci troppo intorno in modo molto schietto. Non mi è mai piaciuto il concetto di serenata, mi piacere l’idea di vestire una canzone e raccontare quello che vivo in modo più speciale. Nella vita non siamo sempre seri, tristi, felici, ci sono varie fasi e momenti e questo determina il fatto che un artista autentico possa alternarsi tra racconti più leggeri e altri più intimi e profondi.

Questa canzone ha molte dinamiche al suo interno, per questo è molto difficile. C’è una parte bassa che poi si alza, non è costante, ha dei picchi che continuano a cambiare, d’altronde me la sono scritta da solo, me la sono andata a cercare, sarà una sfida molto stimolante. Aprirsi non è mai facile, raccontare cose personali ti scava dentro. Con “Ovunque sarai” fu molto intenso, ho dovuto parlare tanto, avevo paura di raccontare troppo di me, ancora oggi mi scendono le lacrime, spesso è difficile liberarsi di una canzone; per ora si tiene duro e si sceglie di raccontare il pezzo. “Tu no” richiede un forte riscaldamento vocale, sicuramente disturberò tanto i miei vicini di hotel perché avrò bisogno di arrivare pronto e con una voce calda. Se dovesse essere un concerto, metterei questa canzone a metà o alla fine della scaletta per arrivare pronto e cantarla al meglio.

Ogni disco rappresenta un nuovo inizio, è come se fosse un pezzo di un’anima di un artista che viene fuori ed è sempre una novità. Per me fare qualcosa di nuovo implica anche conoscere nuovi musicisti, cercare di alzare l’asticella, raccontare lati intimi di me ma manche sviluppare il mio mestiere e la mia esperienza. Sto cercando di lavorare di più con i musicisti e di allontanarmi dal beat e “Tu no” rappresenta in pieno un primo passo di questo nuovo percorso che farò. Mi interessa la produzione organica, mi sto interfacciando anche con un arrangiamento orchestrale, ho avuto la fortuna di lavorare e disegnare insieme ai musicisti le linee melodiche del disco, ci saranno quartetti d’archi, farò emergere il mio amore per il gospe, a cui mi sto avvinando con cautela e rispetto. Il suono ha sempre fatto parte di me, ho sempre fatto musica dal vivo e in questo disco la scelta dei produttori e dei musicisti è stata fondamentale, soprattutto perché il disco si è sviluppato in posti diversi: qualche canzone è nata in America ma anche la Puglia rappresenta un centro nevralgico per la mia ispirazione dandomi la sensazione di allontanarmi da un mondo artefatto grazie a uno stretto contatto con la natura.

Nella serata dedicata alle cover che andrà in scena al Teatro Ariston venerdì 9 febbraio, Irama salirà sul palco con Riccardo Cocciante, uno dei suoi grandi punti di riferimento, e canteranno insieme il brano “Quando finisce un amore”, pubblicato esattamente 50 anni fa nel lontano 1974:

“Questa è una bella sfida che ho accettato con tantissimo entusiasmo. Riccardo Cocciante in questo momento è in tourneè in Corea e tornerà in Italia in questi giorni apposta per preparare questo duetto che faremo insieme. Per me è un onore poter cantare insieme a lui, non do nulla per scontato, sono contento che abbia deciso di fare questa performance insieme a me, stare vicino a un gigante della musica italiana, sarà una sfida presigiosa. La canzone mi piace tantissimo, completa oltretutto il file rouge del mio Sanremo, attraverso una altalena di emozioni che condivideremo in modo fluido e non quadrato. Racconteremo il brano in modo rispettoso nell’anno del suo cinquantesimo anniversario, sia da un punto di vista emotivo che storico. L’emotività a volte si trasmette anche attraverso un graffio, un grido ed è per questo che trovo sia ancora più bello che Cocciante sia al mio fianco, lui è un mio riferimento in questo, lui è il maestro dell’emotività.

Ogni Festival è diverso, ci sono stati anni in cui ero più up, anni in cui ero più tranquillo; quest’anno mi sto preparando e sto studiando. Ho in focus il brano, sono molto concentrato e, anche il mondo della moda, che da sempre mi appassiona, lo lascerò un po’ più da parte per dare più spazio alla canzone e meno a ciò che c’è intorno. Detto ciò, speriamo che accada anche qualcosa di divertente”. (ride ndr).

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“Ho un ricordo nitido del mio primo Festival, persi e uscii sul balcone per prendere aria. Ci rimasi male, ero un ragazzino ma, di contro, ero anche molto convinto di quello che stavo raccontando in modo sincero. Ho tanto da imparare e, ancora oggi, dal momento che dedichi la tua vita a cercare di fare bene qualcosa, è difficile vederlo portare via. Quel momento mi è servito, mi dissi che un giorno sarei tornato tra i big a raccontare la mia musica e fui sicuro che qualcuno la avrebbe ascoltata, mi tremavano le gambe, non sentivo lo stomaco ma quella gavetta atipica mi è servita per farmi il pelo sullo stomaco e imparare come va il mondo; lavorando con i piedi per terra e rimboccandosi le maniche le cose prima o poi arrivano, le mie lo sono ancora.

Spero di non abituarmi mai, sono cresciuto a guardare i miei miti Prince e Freddie Mercury, il cambiamento li rendeva per me interessanti, mi è sempre piaciuto essere diverso in modo professionale , cercando di portare sonorità diverse, spero di farlo sempre. Ho avuto l’opportunità di incontrare diversi artisti stranieri e mi ha colpito vedere con quanta naturalezza approcciano gli strumenti, la melodia e il canto stesso in modo diverso. A me piace “rubare” qualcosa da ciascuno” per creare qualcosa di nuovo e di inedito.

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Con Rkomi abbiamo girato tutta l’Italia, abbiamo condiviso un momento eccezionale, un progetto fine a se stesso in cui ci siamo trovati in maniera organica. Ci siamo incontrati a Los Angeles e abbiamo racchiuso questa avventura in un album, un progetto speciale che mi ha fatto tanto divertire. A Sanremo ci sono tanti artisti che mi piacciono: alcuni sono amici, altri non li conosco personalmente ma per la loro musica. Sono curioso di vedere anche gli altri cosa faranno ma nel frattempo sto studiando perciò sto guardando meno il contorno e mi sto preparando al meglio per l’esibizione Infine non vedo l’ora di annunciare il nuovo tour nei palazzetti, sarà il proseguo naturale del mio ultimo tour da solista. La forma live è ancora quella in cui mi rivedo di più e che mi stimola di più in assoluto. In questo momento storico la musica live è tornata più forte di prima. Prima ancora del tour, ci sarà un evento speciale che racchiude la mia carriera, sono molto emozionato per questo annuncio e non vedo l’ora di farlo”.

Raffaella Sbrescia

Realtà aumentata: il nuovo album dei Subsonica e tutte le dichiarazioni della band

12 gennaio 2024 • Interviste • by Raffaella_Sbrescia

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“Realtà Aumentata” dei Subsonica, il decimo album in studio dopo cinque anni, è in uscita oggi 12 gennaio 2024 e si compone di undici canzoni scritte nell’arco del 2023, che hanno assorbito molta realtà nei suoni, nei ritmi e nelle parole. Una realtà i cui effetti, nel corso degli ultimi anni, sono aumentati in modo tangibile. Una realtà che ci ha chiusi in casa per mesi rivelando tutte le fragilità di un presente globalizzato, che ci espone ad effetti climatici estremi, che è tornata a sconvolgerci con le guerre e che bussa ai nostri confini con un quotidiano carico di miseria, speranza e disperazione. Una “realtà aumentata” alla quale, paradossalmente, abbiamo iniziato a rispondere con crescente dispercezione tra negazionismi, letture distorte, fughe virtuali e carenza di umanità.

La copertina dell’album è realizzata dal designer e visual artist Marino Capitanio che così descrive il processo creativo: “Per la copertina dell’album mi sono ispirato al brano “Africa su Marte”, creando una fusione tra le radici terrestri e le visioni cosmiche. In questo intreccio, la realtà aumentata diventa una metafora di espansione oltre i confini dell’immaginazione. È un equilibrio tra il familiare e l’ignoto, tra il tangibile e l’astratto.”

I Subsonica onorano il traguardo della decima release con un album manifesto che racconta il presente, toccando temi attuali attraverso diversi angoli di lettura, in un universo musicale vario e sorprendente, ma con lo stile inconfondibile che caratterizza il gruppo dal 1996. Ecco le dichiarazioni della band durante l’incontro di presentazione del disco alla stampa.

Subsonica @phzero_to (Francesco Dornetto)

Samuel: Lavorare con gli altri risulta complicato, i Subsonica sono un’entità che in qualche modo appare nel momento in cui noi cinque siamo insieme. Farla apparire all’inizio era facile, bastava essere vicini l’uno all’altro, poi, nel tempo, è diventato sempre più complicato e difficile. La vitalità personale di ognuno di noi si metteva in qualche modo in mezzo. Abbiamo visto accadere tutto, abbiamo passato diverso tempo a distanza e dopo aver fatto ognuno di noi un proprio percorso in solitaria a chiederci se era necessario questo decimo album, se era necessario che i Subsonica raccontassero se stessi e il mondo secondo i loro occhi, ci siamo resi conto che l’assenza di questa entità poteva essere un problema per tutti quanti noi perciò abbiamo deciso di far rivivere questo spirito guida e dare vita a questo album. Per questo “Realtà aumentata” sarà uno dei più begli album realizzati dai Subsonica. 8 arrivava in un momento storico in cui stava cambiando tantissimo intorno a noi, è cambiato il terreno sotto ai nostri piedi, era forse il momento più critico per la band che in qualche modo aveva costruito un meccanismo di base su cui ripetersi. Forse negli ultimi album c’era questo mestiere e diventava sempre più evidente, 8 è stato importante per arrivare a una rottura, dopo un disco di autodistruzione, è inevitabile chiedersi se sia il caso di ricostruire o lasciare distrutto, tutti avevamo voglia di ricostruire, ci siamo veramente rigenerati, ci siamo guardati e ci siamo chiesti da dove ripartiamo? Dal primo disco: e lo abbiamo fatto , questo lungo percorso di maturazione ha portato a ritrovarci a ripartire da zero. Abbiamo costruito il nostro modo di fare musica seguendo l’emotività musicale di ogni componente, siamo una consolle giochi ma con un gioco solo, non ci sono altre rappresentazioni al di fuori di noi. Andando avanti è necessario diventare un’antenna nel raccontare l’Italia che abbiamo intorno. Della parte lirica ce ne siamo occupati io e Max Casacci insieme al nostro amico poeta Luca Revegnin. Abbiamo degli approcci diversi, Max è più centrato e concreto, io sono più astratto e nel mentre Luca fa da regista e passa sulle fasce le frasi. I Subsonica hanno un meccanismo di scrittura matematico, ripetitivo, ossessivo. Le parole le usiamo per far esplodere l’emotività all’interno di questo schema. A volte ci prendiamo la libertà di fare il contrario e usare gli strumenti per creare equilibrio tra le parole matematiche. Le parole hanno la stessa importanza di ogni nota e colpo di batteria, tutti gli elementi sono allo stesso livello. Il modo migliore per raccontare con una lirica il mondo è quello di guardarlo e assistere alle cose che capitano intorno e immergerci all’interno il più possibile.

Max: Quasi trent’anni di storia sono stati contrassegnati da andamenti altalenanti, stare in una band significa far parte di un tessuto umano con relazioni più intime che in una famiglia. Nel gruppo devi continuare a sceglierti, in trent’anni di conoscenza intima, sai tutto l’uno dell’altro, i difetti, i tic e ogni volta sancisci la forza e il senso di questo legame. Non riusciremmo a rinunciare a quello che si prova sul palco, l’unico posto dove abbandoniamo ogni volta le questioni personali. In occasione dell’album in studio 8, non ci eravamo isolati, mancava il momento della scrittura, l’album ha preso forma e colore assemblando il frutto di talenti individuali e questo ha molto logorato il senso di appartenenza di ognuno di nuovi nel gruppo. A quel punto prima di rimetterci in moto, ci siamo quindi chiesti se volessimo veramente andare avanti. Abbiamo quindi pensato di recuperare qualcosa della prima stagione dei Subsonica, ci siamo orientati senza confini in un mondo dove non ci sono generi dominanti, bussola alla mano non abbiamo avuto timore di lasciarci andare, la canzone “Adagio” ha avuto un ruolo importante, Sollima ci ha lasciato molto liberi, abbiamo di nuovo scelto di isolarci, abbiamo messo in piedi meccanismi molto giocosi, ad esempio: l’urlo di B oosta è un urlo di disturbo ed è diventato un tratto distintivo del brano “Pugno di sabbia”. Il mondo intorno a noi è cambiato mille volte, l’importanza di quello che fai passa anche attraverso meccanismi diversi, noi abbiamo invece mantenuto connotazioni che possono essere solo nostre nel senso novecentesco del termine, non abbiamo cercato un singolo a tutti i costi, abbiamo costruito scritture solide, creato un percorso che ti tiene sempre incollato dall’inizio alla fine grazie a una solidità di scrittura inserendo gli elementi che ci affascinavano intorno a livello sonoro. Le singole realtà individuali hanno reso verosimile la possibilità di rottura del gruppo, avremmo potuto davvero staccare la spina, i passi in solitaria ci hanno permesso di guardare da lontano e capire quanto ci sarebbe mancata questa entità di band.

Ninja: Questo è un album particolarmente identitario. I testi, il ritmo, il suono e tutto quello che ha reso riconoscibili stabilendo un patto narrativo dal ’96 è, allo stesso tempo, stato calato in una forma espressiva del tutto nuova. I Subsonica hanno ritrovato la necessità di ritrovarsi per fare musica e il piacere di fare questo lavoro insieme. Il processo creativo ci ha visti tutti e cinque insieme dal primo giorno all’ultimo nella stessa stanza. Questo ha alcuni pro e alcuni contro ma il vantaggio è che la scintilla di uno viene trasformata in tempo reale nella scintilla del gruppo come appartenente alla band, questo per me è stato un risultato molto importante e per nulla scontato. Il palco è una sorta di luogo sacro per noi, la nostra mecca, abbiamo sempre pensato di non poterne mai fare a meno nel nostro percorso, l’album è quasi il primo passo per arrivare là, quello è il momento più importante del ostro ciclo produttivo, ci sarà tanta realtà aumentata, la cosa che farà la differenza sarà la componente visiva per creare qualcosa che non si era mai vista. Abbiamo coinvolto crew torinesi per fornire, da un punto di vista visivo, un impatto sulle persone che verranno. Non abbiamo mai reciso il cordone con gli stimoli e input dell’underground della nostra città, ci siamo rivolti alla generazione under 30 ci sono stimoli molto forti e forte continuità con i nuovi linguaggi che circolano nella nostra città.

Subsonica ph ivan.cazzola

Vicio: c’è un organismo Subsonica al di sopra delle persone stesse. C’è bisogno di un luogo fisico dove queste persone devono stare insieme, in passato è stato spesso una casetta in campagna vicino Torino in cui ci riunivamo per registrare i nostri album; ogni volta facevamo una festa pazzesca poi questo meccanismo con “8” s è inceppato; ognuno di noi portava idee concepite in studio singolarmente, l’album non era coeso. A sto giro mi sono preso la responsabilità di aver avuto una intuizione: i Marlene Kuntz hanno realizzato il disco a Piazzo vicino Cuneo dove è stato creato il marchio del birrificio Baladin, questo birrificio funge quasi da museo e dentro ha un gran suono, siamo rimasti lì una settimana al mese da gennaio ad aprile ultimando il disco nello studio Andromeda poco dopo l’estate. Ci siamo divertiti a lavorare a questi brani e questo è il requisito alla base della buona resa di un disco.

Booosta: Ci incuriosisce conoscere l’opinione di chi ascolterà questo lavoro. Ci auguriamo di regalare altra musica alle persone, le generazioni si accorciano in maniera drastica, che pubblico troveremo lo possiamo intuire; abbiamo una storia lunga fatta di affetto che va ben oltre il disco. La vera foto del valore che abbiamo ce l’abbiamo nei live , il pubblico cambia ma non invecchia perché cresce e arrivano nuove generazioni. Sanremo: ci abbiamo pensato con l’etichetta, il disco sarebbe uscito in questo periodo, un pezzo era stato presentato a Sanremo e non andrà a Sanremo. Il Festival è una vetrina splendida ma non è tutta la musica che esite in questa nazione, la musica si muove su tanti livelli ed è così bello sapere che c’è tanta musica nuova in arrivo.

Il prossimo aprile saranno live sui palchi dei principali palazzetti italiani con SUBSONICA 2024 TOUR. La tournée, prodotta da Live Nation, partirà il 3 aprile dal PalaUnical di Mantova per proseguire il 4 aprile al Forum Assago di Milano, il 6 aprile alla Zoppas Arena Conegliano (TV), l’8 aprile al Palazzo dello Sport di Roma, il 10 aprile all’Unipol Arena di Bologna, l’11 aprile al Mandela Forum di Firenze per chiudere il 13 aprile all’Inalpi Arena di Torino. Radio Capital è la radio ufficiale del tour .

Raffaella Sbrescia

Francesca Michielin presenta il nuovo album “Cani sciolti”: un disco consapevole e maturo

23 febbraio 2023 • Interviste • by Raffaella_Sbrescia

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Francesca Michielin pubblica il nuovo progetto discografico “Cani Sciolti”, in uscita il 24 febbraio 2023.

La cantautrice ha curato in prima persona ogni singolo particolare dalla scrittura all’arrangiamento e alla produzione, l’album è composto da 12 tracce – 9 inediti in aggiunta ai singoli già editi bonsoir e occhi grandi grandi e al brano un bosco. I cani sciolti sono le persone dissidenti, quelle che non stanno al guinzaglio o alle regole, e così il titolo del disco è la metafora del lavoro alla base di questo grande progetto maturato nel tempo, che ha mosso i primi passi tra il 2016 e il 2017, e dei temi che la cantautrice e polistrumentista riesce a sviscerare track by track.

Cani Sciolti, registrato “in famiglia” a Bassano del Grappa e finalizzato a Milano, con la direzione artistica di Francesca Michielin e Giovanni Pallotti, è stato mixato da Ricky Damian – premio Grammy “Record of the year”, Pino Pinaxa e Gigi Barocco. Le canzoni, nude e crude, prive di sovrastrutture, si possono definire, anche dal punto di vista musicale, coraggiose e “controcorrente”, completamente suonate, realizzate molto spesso in presa diretta, quasi a celebrare gli artisti internazionali che l’hanno ispirata fin da piccola (Rage Against the Machine, The Verve, Red Hot Chili Peppers, Foo Fighters, Radiohead, etc.), con una forte attitudine grunge.

La cover del disco è una sorta di finto dipinto, Francesca piange lacrime che si trasformano in fiamme: una rappresentazione della sua maturità personale e artistica, e una sublimazione del dolore e di certe problematiche che attraverso la musica è riuscita ad affrontare e a trasformare in qualcosa di potente come il fuoco. Il booklet, scritto e disegnato da lei, è realizzato sottoforma di diario.

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Ecco cosa ha raccontato Francesca Michielin alla stampa in occasione della presentazione dell’album:

“I cani sciolti sono coloro che non stanno dentro uno schema predefinito, non seguono la corrente, sono liberi di esprimersi. Volevo prendermi il lusso di essere me stessa scrivendo brani più coraggiosi del solito. “Sciolto” deriva da absolutum=assoluto, una canzone assoluta è una canzone che non ha un riferimento temporale e stilistico preciso. I temi presenti nel disco sono tantissimi, ci sono temi di vecchi album che ritornano, il costante rapporto con la natura, il legame con la provincia, con i suoi pro e i suoi contro. Vivo il dissidio tra l’accettare e non accettare le cose della provincia e al contempo cosa ci dà e cosa non ci dà la città. Ho voluto dare spazio anche all’amore in tutte le sue forme, in particolare ci tenevo a realizzare una sorta di manifesto per tutte le donne che non hanno potuto dire mi sono innamorata di te a un’altra donna e che hanno sempre trovato pezzi declinati al maschile. Un altro macro tema è la fragilità.

Il processo di scrittura e scoperta è stato lunghissimo, ho iniziato a scrivere “Quello che ancora non c’è” nel 2016. Mi sono spesso sentita incompleta, da questa incompletezza è nato un pezzo, una fragilità che, quando cresci, diventa la tua arma come dico in “Carmen”: il brano è nato da un dialogo avuto con Carmen Consoli prima e dopo un suo concerto tenutosi proprio a Padova. Il suo è un cantautorato dissidente, è un cane sciolto della musica italiana, porta sempre la sua cifra e non strizza l’occhio a nessuno. Abbiamo fatto una lunga discussione e da questo confronto è nato il brano che lei ha ovviamente ascoltato. Lei è il mio spirito guida in questo disco.

La critica sociale è presente in “Ghetto perfetto” ma anche in “Padova può ucciderti più di Milano”: Sono cresciuta in Veneto in cui non esiste una grande città accentratrice. Padova è simbolo di tante differenze mai veramente ascoltate. Tanti miei amici vanno via proprio perché sentono di non aver trovato il proprio spazio.

Questo disco l’ho scritto da sola, curando musica, arrangiamento, booklet. In questo lavoro di squadra ho potuto metterci tutta me stessa. Come regalo di compleanno mi sono regalata il primo tour teatrale con una formazione nuova e tante new entries al femminile.; le ho fortemente volute, sono professioniste e polistrumentiste di grande talento alla loro prima esperienza. È una scommessa ma sono molto felice di cosa stia venendo fuori. La scenografia racconterà molto di questi 10 anni, ci saranno anche diversi sold out e ne sono molto orgogliosa, non bisogna dare mai niente per scontato.

Io voglio fare pop non populismo, a volte chi fa musica pop non si deve dimenticare che facciamo pop per comunicare non per parlare di noi stessi. Noi artisti siamo dei mezzi, anche se siamo solo interpreti, dobbiamo fare in modo che le storie che raccontiamo possano salvare qualcuno. Quando mi arrivano messaggi tanto forti da parte di chi mi ascolta, capisco che ciò che faccio ha un senso. Ogni tanto ci dimentichiamo e anteponiamo noi stessi al messaggio che intendiamo veicolare, talvolta vengono fuori sovrastrutture che non servono. Non dobbiamo solo compiacere, dobbiamo anche stare sul cazzo, magari non tutti capiranno subito ma capiranno dopo. Il mio intento è provare a creare un momento di riflessioni e ogni tanto ci sta usare questo spazio privilegiato per gli altri.

Condurre X Factor mi ha dato la voglia di divertirmi, arrivavo in quel programma dopo Cattelan, non c’era mai stata una conduttrice fissa, il valore aggiunto siamo noi e la nostra personalità, quanto riesci a metterci del tuo rispettando quello che devi fare, puoi fare comunque la differenza. L’avventura televisiva è terminata intorno al 10 dicembre, per questo ho escluso l’idea di andare al Festival di Sanremo quest’anno. Il mondo ci vuole estremamente performanti e performativi. Nel 2016 mi sentivo un outsider, nel 2021 demodè. Mi chiedevo cosa portare sul palco, alla fine è giusto portare se stessi: se ti senti fragile, porti la fragilità, se ti senti forte, porta la tua forza, se ti senti sexy, porta la tua sensualità. Portare se stessi è un lungo percorso da capire. È vero che conta la canzone, io sono arrivata seconda due volte a Sanremo, ma ci sono anche dati che parlano chiaro. Mancano spazi e possibilità per le donne. Gli uomini hanno più fiducia negli uomini ma forse c’è anche della misoginia intrinseca nel pubblico. Su questo ovviamente non c’è una verità assoluta ma ci sono dei dati su cui riflettere”.

Raffaella Sbrescia

I Pinguini Tattici Nucleari presentano il nuovo album Fake News

30 novembre 2022 • Interviste • by Raffaella_Sbrescia

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Fake News è il titolo del nuovo album dei Pinguini Tattici Nucleari in uscita venerdì 2 dicembre 2023. Anticipato dai singoli Giovani Wannabe (Triplo Platino) e Ricordi (certificato Platino), Fake News riassume gli ultimi due anni della band bergamasca che oggi ha presentato l’album alla stampa presso il Ride di Milano.

“Il titolo Fake News è nato la scorsa estate a Cattolica quando, parlando del più e del meno, durante la nostra vita fatta di attese, discutevamo di come le fake news possano influire sulla società moderna, inquinando un possibile dibattito politico sociale di qualsiasi tipo. Abbiamo quindi voluto portare questo tipo di riflessione in un album quanto mai vero e talvolta autoreferenziale. Parlare di sé può essere rischioso ma anche terapeutico nonché interessante per il pubblico.

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In quanto band, riteniamo che l’aspetto comunitario sia tanto tautologico quanto importante per noi. Le risposte ai problemi si affrontano insieme, noi ci completiamo a vicenda, ciascuno di noi suona il suo strumento e ci piace anche l’idea che qualche ragazzino possa avere voglia di suonare in una band. La solitudine in pandemia per noi è stata micidiale, ci siamo sentiti prede dello sconforto e ci sembrava ipocrita non parlarne dopo anni lontani dai palchi. Fake news è stato un album difficile, ci abbiamo messo parecchio tempo a partorirlo e registrarlo. La stesura risale a un anno e mezzo fa, alcune canzoni hanno avuto diverse gestazioni e rimescolamenti; anche per questo lo sentiamo come un album maturo ma non marcio. Abbiamo una certa manualità in studio, ci mettiamo tempo a fare le cose, ci sono dibattiti, idee, confronti. Tutto questo può rallentare il processo ma non l’allegria di quando esce un album come questo, soprattutto quella che viene pensando a un pubblico come il nostro che sente e percepisce il lavoro che c’è dietro e che spesso apprezza anche le singole parti suonate rispetto alla figura del frontman. La nostra proposta è diversa, riempie un segmento poco popolato e, in un mondo in cui le band stanno scomparendo, portiamo avanti questo stendardo e ne siamo molto fieri.

Fake news è un disco ampio, ci sono tanti pezzi che prendono anche direzioni sperimentali. Ci sono brani che cercano di strizzare l’occhio a diverse modalità di far musica, c’è un tentativo di andare oltre la frasetta empatica, abbiamo voluto intavolare un discorso che raccontasse uno sprazzo della nostra generazione. Questo emerge in particolare nel brano “La cena di classe” in cui si racconta la crescita e l’incontro con gli ostacoli della vita. Siamo una proposta che mostra delle differenze rispetto a tante altre cose che escono, la nostra aspirazione è quella di rimanere nel tempo, così come vorrebbero fare tutti quelli che fanno questo mestiere. Siamo diversi in partenza, siamo qualcosa di atipico, cerchiamo di attraversare con i nostri testi e concept alcuni dei luoghi comuni che la nostra generazione vive.

Acquisire la consapevolezza di avere un pubblico più ampio ci ha spronato ad avere un confronto molto più clinico al fine di avere la migliore canzone possibile. Abbiamo cercato di dare lo stesso tipo di attenzione a tutti i pezzi con l’obiettivo di poter arrivare a una persona. Ci rendiamo conto del fatto che ci siano persone che hanno delle aspettative, questo spaventa perché per noi il pubblico è sempre stato fondamentale. Chi fa pop deve ragionare così, amiamo l’idea di generare un engagement anche fisico con la gente sotto al palco. La nostra storia nasce dalla fisicità, dal riscontrare qualcosa l’uno nell’altro. Abbiamo incasellato canzoni che sono andate molto bene, ci si aspetta quindi che vada sempre meglio ma a una certa è ovvio che qualcosa non andrà bene, per questo ci diamo equilibrio mentale a vicenda. Vogliamo essere esempi di persone che sono contente nella vita, non di gente che ha avuto successo nella vita.

Per noi fare bene ha la priorità, il resto è conseguenza ma anche effetto collaterale. C’è gente che storce il naso rispetto alle nostre date negli stadi, in effetti è stato un bell’azzardo ma fa quasi piacere che ci siano le critiche, sta succedendo davvero qualcosa di grande e pur non credendoci neanche noi stessi, i risultati ci sono e non potremmo essere più contenti di così. La nostra dimensione è sempre il concerto, lavoriamo sinergicamente tra discografia e booking esattamente per questo.

Anche se facciamo 10 stadi, resteremo sempre i ragazzi della porta accanto, queste cose ci caricano di responsabilità e ci aprono ad un pubblico più grande, abbiamo sempre fatto ore e ore di prove per preparare lo show, ci sentiamo con i piedi per terra. Questo risultato arriva da tanti anni di lavoro, la forza di noi sei è anche questa; nessuno si sente più importante , siamo molto felici, ma ci piace lavorare giorno per giorno, questo è rimanere umili e darsi da fare , non andiamo in salotti e contesti che non siano nostri, viviamo dove vivevamo, la nostra terra ci ha insegnato l’etica del lavoro, il divismo è alieno dal nostro dna.

Non ci aspettavamo di fare un tour del genere, né di fare così bene. Stiamo costruendo idee che possano portare il live a essere un’ esperienza narrativa. Vogliamo far capire che siamo qui per restare. La gente si aspetta che tu non ti comprometta, abbiamo detto no diverse volte, anche a malincuore, a volte vorresti fare altro ma scegliere di fare altro non è troppo ben visto da fuori, è come se togliesse verità al discorso, a quel poco mito che ci può essere oggi in una società moderna. Per il momento ci sentiamo di fare soltanto questo e mettere la nostra professionalità al servizio della musica che ci consente di essere noi stessi e far cantare tutti. Ci allontaniamo dalla finzione, non sapremmo conviverci”.

Raffaella Sbrescia

TRACKLIST
01_Zen; 02_ L’ultima volta; 03_Hold On; 04_Stage Diving; 05_Ricordi; 06_Melting Pop; 07_Forse; 08_Fede; 09_Dentista Croazia; 10_Hikikomori; 11_Giovani Wannabe; 12_Barfly; 13_Non sono cool; 14_ Cena di classe

IL TOUR NEGLI STADI 2023
07.07.2023 – VENEZIA PARCO SAN GIULIANO MESTRE - DATA ZERO
11.07.2023 – MILANO STADIO SAN SIRO - SOLD OUT
12.07.2023 - MILANO STADIO SAN SIRO - NUOVA DATA
15.07.2023 – FIRENZE STADIO ARTEMIO FRANCHI - NUOVA DATA
19.07.2023 – TORINO STADIO OLIMPICO - NUOVA DATA
23.07.2023 – ROMA STADIO OLIMPICO - SOLD OUT
24.07.2023 – ROMA STADIO OLIMPICO - NUOVA DATA
27.07.2023 - BARI STADIO SAN NICOLA - NUOVA DATA
30.07.2023 - MESSINA STADIO SAN FILIPPO - NUOVA DATA
13.08.2023 – OLBIA RED VALLEY FESTIVAL - NUOVA DATA

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